EL EXÓTICO HOTEL MARIGOLD

Al final todo acaba bien. Y si no acaba bien, es que aún no es el final.

Este dicho, no sé si llamarlo proverbio, describe a la perfección el espíritu optimista de la última película de John Madden, EL EXÓTICO HOTEL MARIGOLD. Basada en la novela "The Foolish Things" de Deborah Moggach, cuenta como un grupo de jubilados ingleses, que no se conocen entre ellos, se retiran a una ciudad de la India a vivir los últimos años de su vida. Todos recalan en el destartalado hotel de un joven emprendedor interpretado por Dev Patel, protagonista de la estupenda SLUMDOG MILLIONAIRE.
El tono desenfadado del relato mezcla la comedia romántica con el drama melancólico, dando como resultado una película ligera y de fácil digestión. Madden se rodea de un reparto maduro y extraordinario que da un toque de calidad a la película con su sola presencia. Judi Dench, que ya trabajó con el director en la oscarizada SHAKESPEARE IN LOVE, ejerce de narradora en este cuento crepuscular. Ella es Evelyn, un ama de casa que se ha quedado viuda recientemente y que se da cuenta de que su lugar en el mundo no está en Inglaterra. Tom Wilkinson también repite con Madden tras el thriller LA DEUDA, interpretando a un juez cansado de su profesión que tiene una cuenta pendiente en la India. Penelope Wilton y Bill Nighy son un matrimonio aburrido e insatisfecho, Celia Imrie, una solterona cazafortunas, Ronald Pickup, un abuelo con el síndrome de Peter Pan que no pierde la esperanza de encontrar pareja... Y, junto a ellos, una siempre magnífica (y aquí desternillante) Maggie Smith como una anciana racista y falta de efectivo para pagar una operación de cadera que, obligada por las circunstancias, hará el viaje para operarse por un precio más razonable. Como si de mochileros perroflautas se tratara, todos se van a la India a encontrarse a sí mismos.
El director vuelve a mostrar una India de ensueño, vista hasta la saciedad, con una estupenda fotografía de Ben Davis. Es cierto que para lo que quieren contar no pega nada una India infestada de cacas de vaca, fango y moscas, así que no me voy a poner a criticar la falta de realismo a la hora de retratar el país.
Lo mejor de la cinta es que se te pasan volando las dos horas de metraje y que es para todo tipo de públicos. Con una factura correcta no pasará a la historia como una gran película, pero tampoco lo pretende. Es puro entretenimiento.
Lo peor es la subtrama romántica del director del hotel, con diferencia el personaje peor dibujado y construido.
VALORACIÓN:

SHAME

¿Vergüenza?

Cuando una película trata sobre sexo, ya sea en tono erótico, cómico, dramático, trágico o con un toque de thriller, ciertos distribuidores y exhibidores se asustan
-¿vergüenza?- ante un posible rechazo del público asiduo a las salas cinematográficas. Yo les recomendaría que antes de juzgar la película por el envoltorio (esto también va para el público más mojigato) se dignaran a dar una oportunidad al producto de calidad que se esconde tras la premisa. Steve McQueen, artista polifacético y director inglés que comparte nombre con el mítico actor apodado "The king of cool" protagonista de títulos como BULLIT o EL COLOSO EN LLAMAS, estrena por primera vez en nuestro país una película (aún está pendiente de llegar a nuestras salas su ópera prima HUNGER -¿vergüenza?-). A pesar del enorme reconocimiento que SHAME ha tenido en diferentes festivales y de las buenas críticas recibidas, el estreno en nuestras salas ha sido muy minoritario -¿vergüenza?-, pero una vez más el público español, que no es tan carca como muchas veces nos hacen creer, está respaldando la cinta. El omnipresente Michael Fassbender, actor fetiche de McQueen que ha protagonizado sus dos films y que formará parte del elenco del tercero junto a Brad Pitt y Chiwetel Ejiofor, se transforma en Brandon, un treintañero neoyorkino con una preocupante adicción al sexo. Su vida se limita a trabajar como ejecutivo de una empresa, salir de copas con su jefe, fornicar con todo bicho viviente (no pretendo ofender a nadie con lo de bicho, es un decir) y masturbarse en el baño o tener cibersexo de manera compulsiva -¿vergüenza?-. Cuando su hermana Sissy (Carey Mulligan) aparece por sorpresa en su apartamento de diseño, Brandon pierde el poco control que le queda sobre su vida y se hace más patente su caída a un profundo pozo de autodestrucción.
McQueen muestra un Manhattan oscuro y sórdido, lejos del glamour y los brillos a los que estamos acostumbrados, que es el que habita su protagonista, un hombre que se mueve entre sombras y se refugia en la oscuridad de la noche -¿vergüenza?-. Esta atmósfera tan turbadora e incómoda, magníficamente fotografiada por Sean Bobbitt, ayuda a entender el estado anímico por el que pasan los hermanos protagonistas. Del mismo modo, la excelente banda sonora de Harry Scott envuelve de cierta incomodidad las imágenes de sexo más explícito. Son impresionantemente bellas algunas secuencias, como cuando Brandon sale a correr en plena noche (larguísimo y maravilloso travelling) o la actuación en el club de jazz a cargo de una entregada Carey Mulligan que, a pesar de no tener una gran voz, ni siquiera bonita, logra emocionar con su personal interpretación de la mítica canción NEW YORK, NEW YORK, que interpretaba Liza Minelli en la película del mismo título. Lejos de lo que pueda parecer los desnudos no son nada gratuitos (aunque si ver el desnudo integral de Fassbender sirve para llevar más gente a las salas, alabado sea). ¡¿Cómo, si no, contar una historia de adicción al sexo?!
Debo calificar la película de valiente, rompedora, provocadora, dura, cruda, devastadora, ruda... e imprescindible. A mí no me dio vergüenza verla, sufrirla, disfrutarla. ¡Que no os de vergüenza!
VALORACIÓN:

ALBERT NOBBS

¿Quién es ese chico?

Glenn Close. La atrevida y polifacética actriz, recordada por su soberbia interpretación de la Madame de Merteuile de LAS AMISTADES PELIGROSAS, recupera para el cine un personaje al que ya dió vida en el teatro en 1982: ALBERT NOBBS. A lo largo de estos años ha intentado en varias ocasiones llevar la historia de Nobbs al cine y finalmente lo ha conseguido de la mano de su amigo y fiel director Rodrigo García (hijo del escritor Gabriel García Márquez), con el que ya ha colaborado en tres ocasiones. Close es Nobbs, una mujer disfrazada de hombre que oculta a todo el mundo su verdadera identidad para poder trabajar y valerse por sí misma en la Irlanda decimonónica.
García, conocido principalmente por sus dramas corales, realiza una labor un tanto sosa y simplona, quizás encorsetado por un guión mal desarrollado y peor resuelto, quizás porque se centra en personajes poco interesantes como los que interpretan (muy correctamente) Mia Wasikowska y Aaron Johnson, o en el del propio Nobbs, que en ocasiones parece una figura de cera y queda un poco desdibujado. La estrella indiscutible de la función es Janet McTeer, actriz que borda su papel de Hubert Page, otra mujer transformada en hombre que se convertirá en el/la cómplice del/la protagonista y su más fiel aliado/a. McTeer representa las mejores escenas del film y dibuja un personaje con más carisma e interés que el de Close, a quien no quiero quitarle mérito, que lo tiene y mucho. De hecho, admiro su valentía y entrega a la hora de meterse en la piel de tan complejo personaje. Pero me creo más a McTeer, la cual sospecho que tiene más posibilidades de llevarse el Oscar que la propia Glenn Close, que ya ha estado nominada en seis ocasiones, incluyendo esta, y nunca ha sido galardonada.
La ambientación y la caracterización de la película están muy conseguidas y huyen de mostrar espacios y situaciones teatrales para ceder terreno, como debe ser, al lenguaje cinematográfico.
El resto del reparto está correcto e incluso acertado en sus actuaciones, atención a Pauline Collins como Mrs. Baker, la petulante patrona de Nobbs que en unas ocasiones es simpática y graciosa, y en otras es irritante y abusadora.
Una película con buenas intenciones que cuenta con una correcta factura pero que merecía más pasión y emoción, así como un "in crescendo" que desembocara en un final conmovedor (que no es el caso). Todo esto la hace una película ni admirable, ni despreciable, sino todo lo contrario.
VALORACIÓN:

ATTACK THE BLOCK

Invasión alienígena en Londres.
Por alguna extraña razón que se escapa a mi entendimiento los aliens suelen escoger los Estados Unidos como objetivo de sus invasiones. Pero en esta ocasión un barrio humilde del sur de Londres ha sido el elegido para sufrir el ataque de un grupo de extraterrestres con muy mala leche y, lejos de lo que pueda parecer, los vecinos de este barrio están más que preparados (a su manera) para enfrentarse a los invasores. En concreto, una pandilla de amigos que atracan a una muchacha solitaria durante una noche festiva, se armarán de bates de béisbol, petardos, cadenas, bicicletas y una katana para hacer frente a unos peligrosos monstruitos (que parecen los hermanos mayores de los CRITTERS) con apariencia de gorilas y dentadura fluorescente que vienen a La Tierra con ganas de gresca... ¡y la van a tener!
ATTACK THE BLOCK, película dirigida por el debutante Joe Cornish, fue la gran triunfadora del pasado "Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya" (Sitges 2011) alzándose con los premios a la Mejor Banda Sonora Original, el Premio Especial del Jurado, el Gran Premio del Público a la Mejor Película y el Premio de la Crítica José Luis Guarner. Cornish ha creado un entretenimiento hecho para divertir tanto al público friki asiduo de festivales como el anteriormente mencionado, como a nostálgicos de las películas ochenteras de la factoría Spielberg o degustadores de comedias fantásticas british tipo ZOMBIES PARTY o PAUL. Esto no sería malo si además se hubiera acordado de la gran masa, esa que llena salas de cine y consume palomitas y Coca-Cola en cantidades ingentes, ya que hubiera conseguido lo que me da la sensación que pretendían los productores, forrarse. Así que, finalmente, le ha quedado una obra un tanto descafeinada, pues no llega a ser todo lo cafre y loca que podría haber sido (y que yo hubiera aplaudido), pero tampoco es un producto mainstream al uso.
La película se nutre de un guión lleno de toques cómicos, de unos actores juveniles en estado de gracia (atención a los simpáticos e incluso monísimos niños pequeños apodados Caos y Problemas) y unas escenas de acción bien resueltas. Igualmente sale airosa usando de manera inteligente los espacios laberínticos donde transcurre la historia.
Los efectos especiales son un poco de estar por casa, lo que confiere al resultado final un toque aún más pronunciado de serie B, pero no por ello resultan vergonzosos.
Recomiendo verla sin pretensiones de más. Es una película para pasar un buen rato y ya está.
VALORACIÓN:

EL TOPO

Espía, soldado, sastre, calderero.

No es nada fácil hacer una reseña de esta película pues, aunque a grandes rasgos es un thriller clásico que mezcla el espionaje y el suspense por igual, si nos ponemos a desgranarla encontramos una trama compleja, incontables personajes, situaciones confusas y otras densas que enturbiaron mi mente, mi entendimiento y mi ya de por sí poca habilidad de síntesis. De todos modos debo decir que la película es muy buena y cuenta con grandes profesionales que aportan calidad a la traslación al cine de la novela de John Le Carré "El espía que surgió del frío".
EL TOPO está dirigida por Tomas Alfredson, director sueco de gran prestigio gracias a su anterior film, DÉJAME ENTRAR, que lejos de dar el salto al cine americano y, por ende, al blockbuster más comercial, se ha decantado por una producción inglesa de presupuesto modesto pero con un toque de "qualité".
Tampoco es fácil resumir el argumento (entre otras cosas porque aún no he terminado de entenderlo) pero lo voy a intentar. En plena guerra fría, años 70, el servicio secreto británico sospecha que tiene entre sus filas a un "topo" que pasa información al enemigo, así que le piden a uno de sus agentes más veteranos, George Smiley (Gary Oldman) que realice una investigación interna para descubrirlo. Ahí lo voy a dejar porqué como resumen creo que ya es suficiente pero la trama es más densa y complicada por la gran cantidad de personajes que la habitan y por la sutileza de algunas explicaciones y situaciones que llevan al equívoco, así que os emplazo a ver la peli un día de esos en los que se tiene la mente ultradespejada. Junto al grandísimo e injustamente tratado por la industria Gary Oldman, pasean talento y talante actorazos de la talla de Colin Firth, Tom Hardy, Mark Strong, Toby Jones y John Hurt, entre otros, y sin desvelar quién es el malo, o sea EL "TOPO", diré que me resultó bastante extraño que un actor de renombre como él tuviera tan pocos diálogos y secuencias, lo cual me hizo sospechar y acertar.
En definitiva, nos encontramos con una buena película que se apoya en la interpretación actoral y en los diálogos más que en escenas de acción trepidante y eso precisamente es lo que en ocasiones se echa de menos, un poco más de acción. Alfredson sabe narrar en imágenes y se encuentra cómodo en espacios oscuros y cerrados. Sabe manejar la cámara y acierta en casi todos los primeros planos que, huelga decir, están magníficamente iluminados acentuando los ojos de los protagonistas.
Mención aparte merece Alberto Iglesias, compositor español conocido esencialmente por sus colaboraciones con Pedro Almodóvar y Julio Medem, que aporta una partitura bella y sutil en algunos momentos y un perfecto acompañamiento de tensión en otros.
VALORACIÓN:

JANE EYRE

Notable adaptación de la novela de Charlotte Brontë.
Ante una adaptación literaria de tal calibre siempre nacen dudas tipo: ¿será el típico coñazo de época?, ¿valdrá la pena invertir tiempo y dinero en una enésima versión de tal clásico?... En este caso respondo muy rotundamente que no solo vale la pena acercarse al cine a ver JANE EYRE, sino que nos encontraremos ante una obra valiente, arriesgada, clásica y paradójicamente moderna, cargada de talento y buenas interpretaciones.
Reconozco que no conocía la novela barroca del mismo título ni había visto con anterioridad niguna de sus adaptaciones cinematográficas o televisivas, así que llegaba virgen al cine y me encontré con una película que no trata de modernizar el clásico literario con forzados cambios de época, ni con una música desacorde al siglo XIX o un montaje de videojuego, sino que se centra en contar una de las historias de amor más bellas que he visto en pantalla.
Cary Fukunaga, director de la cinta que cuenta en su filmografía con solo una obra previa, SIN NOMBRE, un thriller de producción mexicana, se centra en lo esencial de la novela, la historia de amor entre la joven institutriz JANE EYRE (Mia Wasikowska) y su severo y misterioso amo, Edward Rochester (Michael Fassbender). El resto sirve para acompañar al relato y dar un poco más de profundidad, si cabe, a la historia. El director, usa una potente descripción de personajes tanto a nivel físico como intelectual, que bajo las sutiles y casi perfectas interpretaciones de sus protagonistas llenan la película sin necesidad de aspavientos ni florituras estilísticas. Todo está puesto al servicio de los actores: la música de Dario Marianelli de la que destaca el violín por encima de todos los instrumentos y que cuenta con unas piezas minimalistas bellísimas, la cuidada ambientación, el austero maquillaje-peluquería y sobre todo la elegante fotografía que empapela cada secuencia de tonos acordes a las emociones mostradas.
Pura poesía en una ejemplar adaptación literaria.
VALORACIÓN:

LA DAMA DE HIERRO

Telefilm de alta cuna.
Resulta sorprendente que una realizadora inglesa con antecedentes de cine musical (¡MAMMA MIA!) haya escogido como segunda película un biopic sobre Margaret Thatcher, la primera y, hasta la fecha, única primera ministra del Reino Unido. Durante los once años que duró su (conservadora) administración fue apodada LA DAMA DE HIERRO por su inflexibilidad y dureza a la hora de privatizar empresas públicas, de ignorar y quitar poder a los sindicatos, así como de hacer recortes a diestro y siniestro (¡qué cercano me suena esto ahora mismo!).
Phyllida Lloyd, que así se llama dicha directora, ha escogido el apodo de la gobernante como título para su película, lo cual hace intuir un trato realista y duro. Nada más lejos de la realidad, pues hace un retrato bastante amable de la Thatcher, dejando en segundo término los errores y horrores de su mandato.
Lloyd presenta una cinta biográfica bastante tradicional y nada original mostrando una Thatcher anciana y enferma que mediante flashbacks recuerda tiempos pasados. El guión, obra de Abi Morgan, se divide en tres bloques siendo el primero de ellos el mejor resuelto y a la vez el que más humaniza a la férrea dama, pues nos muestra a una adorable ancianita que en sus últimos días vive prácticamente sola añorando a su difunto esposo y a un hijo exiliado a Sudáfrica (por problemas de cariz Urdangariano que evidentemente Lloyd y Morgan han pasado por alto). El segundo bloque muestra los años de adolescencia de Margaret y sus orígenes humildes que sufren el poco arte interpretativo de Alexandra Roach. Finalmente, el tercer bloque trata la carrera política en sí de la protagonista y a mi entender es el peor resuelto aunque cuenta con momentos elogiables como la primera entrada en el parlamento tras ser investida primera ministra, su llegada al 10 de Downing Street o el episodio de la guerra de las Malvinas. La directora se pasea por muchos episodios sin profundizar en ninguno de ellos, aunque eso sí evita meterse en líos y tiende a posicionarse de parte de la "Facher", perdón quería decir la Thatcher.
MERYL STREEP (no puedo escribir su nombre en minúsculas porque es la mayúscula actriz que jamás ha existido), está más grande que nunca. No interpreta a Margaret Thatcher sino que se transforma en ella. Da una lección magistral de cómo meterse en la piel de un personaje. Debo destacar la STREEP-Thatcher octogenaria pues la actriz consigue andar, gesticular y hablar como una anciana veinte años mayor de lo que ella realmente es. El Oscar es y debe ser suyo.
VLORACIÓN:

LA VÍCTIMA PERFECTA

El retorno de la Hammer.
La mítica productora de películas de terror vivió su época dorada entre los años 30 y los 50 llevando a las pantallas a monstruos clásicos como Drácula y Frankesntein e incluso llegando a crear una cantera de actores y directores: Christopher Lee, Peter Cushing y Terence Fisher entre otros.
Tras más de 50 años de inactividad, en el año 2008 la Hammer volvió de la tumba para crear Beyond the rave, exclusivamente para internet, tras la cual decidieron dar una nueva oportunidad a la productora siguiendo su especialización en films de terror. Así dieron pie al remake de 2010 de la estupenda cinta de vampiros Déjame entrar del sueco Tomas Alfredson, revisitada para la ocasión por Matt Reeves (Monstruoso).
La segunda incursión de la Hammer en el cine de terror del siglo XXI es La Víctima Perfecta, dirigida por Antti Jokinen, debutante en tareas de dirección de largometrajes, y protagonizada por Hilary Swank que salva con su interpretación, como en muchas otras ocasiones, una película floja y menor en su carrera. Junto a ella, el chico de la función es Jeffrey Dean Morgan (más parecido que nunca, físicamente, a Javier Bardem), que aunque no está tan bien como en Watchmen, no sale del todo mal parado como un casero tan seductor como aterrador. La película sigue la típica estructura de chica que se muda sola a un viejo apartamento neoyorkino donde su casero la acosa y aterroriza. Con sustos poco elaborados y un bueno/malo, de esos puestos para despistar, con el carisma de Christopher Lee, no deja de ser predecible y adolece de una dirección poco experimentada e inspirada. A ver si la productora se pone las pilas y crea guiones y personajes que se puedan poner a la altura de los de su primera época.
VALORACIÓN:

WILDE

El retrato de Oscar Wilde.
Las obras de Wilde son en su totalidad grandes clásicos de la literatura y el teatro. Muchas de ellas han sido llevadas al cine, pero aquí nos encontramos con un biopic del autor de "El abanico de Lady Windermer" dirigido en 1997 por el británico Brian Gilbert de forma correcta y eficaz, pues logra contarnos a grandes rasgos la vida pública y privada del escritor, pero sin brillar como debería.
Stephen Fry se transforma en ese Wilde hinchado de éxito profesional y tan confundido respecto a sus sentimientos, haciendo creíble el personaje. Junto a él destaca Jude Law interpretando al protegido y amor verdadero del protagonista. Aunque en ocasiones se deja llevar por el histrionismo muestra su gran capacidad para interpretar personajes ambiguos.
Para los más frikis os aviso que Madam Pomfrey (Gemma Jones) y Madam Hooch (Zoë Wanamaker) de la saga Harry Potter también aparecen en papeles secundarios. Y para los más avispados, a ver si detectáis a un jovencísimo Orlando Bloom interpretando (o más bien figurando) a un chapero en las calles de Londres.
En resumidas cuentas: a los fans del autor y del cine inglés reposado, les gustará.

VALORACIÓN:

NOTTING HILL

Revisitando Notting Hill.

Comedia romántica de 1999 protagonizada por Hugh Grant (rey de la comedia romántica de la década de los noventa) y Julia Roberts (reina de la comedia desde los años noventa). Su director, Roger Michell consiguió juntar a las dos estrellas del momento para interpretar la típica historia de chico conoce chica, se enamoran, son felices, son infelices, se separan, se reencuentran, se dan cuenta de que no son nada el uno sin la otra y son felices para siempre. Pero que tiene esta película de especial... Poca cosa.

Lo más destacable de la película es Rhys Ifans, actor secundario que interpreta al compañero de piso del "chico de la función". Un personaje alocado, destartalado y guarrete, que resulta ser lo más carismático del film. Aunque también hay que destacar la semi-valentía de Julia Roberts interpretándose a sí misma, una actriz de Hollywood de enorme éxito y con caprichos y manías que bien podrían estar basados en los suyos propios.

VALORACIÓN: