LOS IDUS DE MARZO

El voto es para...

George Clooney se ha valido de la obra de teatro "Farragut North" para su nueva película como director. No podía haber escogido un momento más oportuno para contar esta historia que, aunque no aporta nada nuevo cinematográficamente hablando, a día de hoy está en boca de todos. La corrupción política, las triquiñuelas de los candidatos para llegar al poder robando votos a sus contrincantes a cualquier precio, las traiciones y engaños... Clooney se está creando una carrera bastante sólida como director (yo lo prefiero antes que de actor) que podríamos emparentar a la de Robert Redford o Sydney Lumet, directores de conocido activismo político que han aprovechado la menor ocasión para dejar claras sus posturas izquierdistas tanto en thrillers como en dramas.
Hay que reconocer que Clooney es un tipo inteligente y sabe rodearse de buenos amigos y colaboradores de calidad contrastada que dotan al producto final de un cierto pedigrí. Atención al espectacular reparto: Ryan Gosling, Philip Seymour Hoffman, Paul Giamatti, Marisa Tomei, Evan Rachel Wood, Jeffrey Wright, Max Minghella, Jennifer Ehle y el propio George Clooney. Todos han demostrado a lo largo de los años que como mínimo saben estar correctos en papeles de diferente índole. Aquí dan vida a personajes más o menos desagradables, pero muy humanos y reconocibles. Gosling es Stephen Meyers, un joven idealista director de comunicación en la campaña de Mike Morris (Clooney), un demócrata en pugna por conseguir ser el próximo presidente de Estados Unidos, al que le dirige la campaña Paul Zara (Hoffman). Estamos en época de primarias, así que debe competir con un compañero de partido al que le dirige la campaña el implacable Tom Duffy (Giamatti). Durante la campaña Meyers verá a qué extremos se puede llegar para alcanzar el éxito político y será víctima y verdugo en un juego de traiciones.
Aplaudo la labor del Clooney guionista que junto a Beau Willimon y Grant Heslov (nominados al Oscar al mejor guión adaptado) han creado unos diálogos rápidos, contundentes y con un toque de ironía que le van muy bien al tono de la película. Como también le va muy bien la banda sonora creada para la ocasión por mi idolatrado Alexandre Desplat que resulta tan excepcional como es de esperar en alguien de su talento. Una vez más se demuestra que la música en el cine es una parte fundamental para transmitir emociones y para dotar de ritmo al relato.
En una revista leí que LOS IDUS DE MARZO es la crónica de una decepción. Yo aún diría más, es una radiografía de la condición humana y lo fácil que es corromperse independientemente de creencias y colores.
VALORACIÓN:

DE TU VENTANA A LA MÍA

Mujeres rotas.

Directores de cine hay a mansalva, pero mujeres que lleven la batuta de una película ya son más difíciles de encontrar, sobre todo en España. Por eso es una gozada descubrir a nuevas directoras con tantas cosas que decir y con una manera tan bella de decirlas. Paula Ortiz ha creado un tríptico cinematográfico, para su debut en el largometraje, que protagonizan tres mujeres de tres edades, en tres zonas de Aragón en tres épocas distintas. Todas ellas tienen un denominador común, el fracaso en el amor. Tres actrices en estado de gracia son el alma de DE TU VENTANA A LA MÍA. Leticia Dolera es Violeta, una joven que vive en los años 20 en una zona fronteriza con Francia. Un lugar que parece sacado de un cuadro de Fragonard con frondosos paisajes bañados de verdes y violetas, donde pasa las horas del día en su columpio o recogiendo hermosas flores para decorar su pelo mientras añora a su amor en el exilio. Maribel Verdú es Inés, una mujer que habita una zona agreste de tonos ocres y amarillos en los años 40. Trabaja en un campo dorado donde recolecta el trigo bajo el intenso sol, el potente viento y el recuerdo de los besos y de las caricias que le propiciaba su añorado Paco, recluido en una celda por los grises. Gris es también el mundo de Luisa, interpretada por Luisa Gavasa, una ciudad desolada, marchita y revuelta por el fin de la dictadura. Estamos en 1975 y Luisa, en el otoño de su vida, se lamenta por no haber tenido un amor de película.
Las tres intérpretes están extraordinarias pero debo destacar la madurez de Maribel Verdú (nominada al Goya a la mejor interpretación femenina de reparto) y lo bien que está cuando está bien, como es el caso. Pero la que más me sorprendió por su buen hacer es la ahora de moda Leticia Dolera. Dolera crea una Violeta intensa y dramática que se queda en la memoria y en el corazón. Llora de maravilla en la impactante escena del corte de cabello.
Ortiz teje los fotogramas de la cinta orquestando un montaje muy cuidado. Un simple ovillo de lana puede unir el mundo de Inés con el de Violeta o una frase el de esta con el de Luisa. La directora adorna las secuencias con una música sutil, compuesta por Avshalom Caspi, y tan hermosa como las imágenes que acompaña. Aunque sobre todo destacan dos de las canciones de la película. La primera de ellas se titula "Debajo del limón" y estuvo nominada a los Goya de este año a mejor canción original. La segunda es la clásica "Yo vengo a ofrecer mi corazón" de Fito Paez, que popularizó la gran Mercedes Sosa, y que en esta ocasión podemos oír en la particular voz de Carmen París.
En ciertas ocasiones se echa de menos una mayor profundización en las historias pero en general y para ser una ópera prima es una película notable. Me alegra que esté funcionando bien en circuitos de presencia limitada o más independiente y deseo que el boca a boca le dé la fuerza que necesita para convertirse en el sleeper español de la temporada.
VALORACIÓN:

LOS DESCENDIENTES

Hawái en familia.

Alexander Payne es uno de esos directores que se ha ido labrando una carrera de prestigio con cintas tan irregulares como carismáticas. Película tras película ha sorprendido por lo diferente y original de las propuestas presentadas, pero a pesar de ello aún sigue siendo un desconocido al que muchos llaman "el director de ENTRE COPAS". Ya es hora de que su nombre brille y sea reconocido por su increíble talento y por el resto de películas que ha dirigido ya que, sin desmerecer ENTRE COPAS, son como mínimo igual de interesantes.
Con LOS DESCENDIENTES se ha propuesto volver a sorprender y lo hace ambientando la historia en Hawái. Por un lado, el Hawái que muchas veces se ha mostrado en las películas con sus playas, sus palmeras, su exótica vegetación y esos surfistas cachas que montan las olas como si pasearan por un prado. Por otro lado, también muestra ese Hawái menos paradisíaco, ese que habitan los lugareños día a día, con sus barriadas más humildes, sus zonas residenciales y extensos terrenos de vegetación salvaje preparados para edificar y transformar lo natural en comercial. En este conjunto de islas del Pacífico vive Matt King (George Clooney), un padre de familia que deberá tomar las riendas de su vida y de la de sus hijas cuando su mujer queda en coma tras un accidente náutico. Enfrascado en la venta de unas tierras heredadas de antepasados isleños y los consecuentes enfrentamientos con el resto de familiares, tendrá que lidiar además con dos hijas, una pequeña pero precoz, otra adolescente rebelde y problemática.
Ya comenté en la crítica de MONEYBALL el, a mi entender, demasiado bombo que se le ha dado al trabajo de Clooney que, si bien es correcto, dista mucho de ser una gran interpretación. Yo lo prefiero en UP IN THE AIR o en OCEAN'S ELEVEN donde muestra muchas más caras y matices. En la peli que ahora comento se limita a poner miradas perdidas o a levantar la ceja como Carlos Sobera en los concursos que presenta. Es justo decir que el personaje que le toca interpretar le obliga a hacer un trabajo de contención importante y lo hace muy bien, pero tampoco es para tanto.
La cinta está elaborada con brillantez, a ratos bella, a ratos emocionante, a ratos fresca, a ratos divertida, a ratos trascendente pero siempre sencilla e inteligente. Es una pena que algunos momentos se me hicieran tan largos y que ciertas situaciones me parecieran tan previsibles como la resolución de la venta de las tierras o todo lo que envuelve al personaje de Matthew Lillard.
VALORACIÓN:

SHAME

¿Vergüenza?

Cuando una película trata sobre sexo, ya sea en tono erótico, cómico, dramático, trágico o con un toque de thriller, ciertos distribuidores y exhibidores se asustan
-¿vergüenza?- ante un posible rechazo del público asiduo a las salas cinematográficas. Yo les recomendaría que antes de juzgar la película por el envoltorio (esto también va para el público más mojigato) se dignaran a dar una oportunidad al producto de calidad que se esconde tras la premisa. Steve McQueen, artista polifacético y director inglés que comparte nombre con el mítico actor apodado "The king of cool" protagonista de títulos como BULLIT o EL COLOSO EN LLAMAS, estrena por primera vez en nuestro país una película (aún está pendiente de llegar a nuestras salas su ópera prima HUNGER -¿vergüenza?-). A pesar del enorme reconocimiento que SHAME ha tenido en diferentes festivales y de las buenas críticas recibidas, el estreno en nuestras salas ha sido muy minoritario -¿vergüenza?-, pero una vez más el público español, que no es tan carca como muchas veces nos hacen creer, está respaldando la cinta. El omnipresente Michael Fassbender, actor fetiche de McQueen que ha protagonizado sus dos films y que formará parte del elenco del tercero junto a Brad Pitt y Chiwetel Ejiofor, se transforma en Brandon, un treintañero neoyorkino con una preocupante adicción al sexo. Su vida se limita a trabajar como ejecutivo de una empresa, salir de copas con su jefe, fornicar con todo bicho viviente (no pretendo ofender a nadie con lo de bicho, es un decir) y masturbarse en el baño o tener cibersexo de manera compulsiva -¿vergüenza?-. Cuando su hermana Sissy (Carey Mulligan) aparece por sorpresa en su apartamento de diseño, Brandon pierde el poco control que le queda sobre su vida y se hace más patente su caída a un profundo pozo de autodestrucción.
McQueen muestra un Manhattan oscuro y sórdido, lejos del glamour y los brillos a los que estamos acostumbrados, que es el que habita su protagonista, un hombre que se mueve entre sombras y se refugia en la oscuridad de la noche -¿vergüenza?-. Esta atmósfera tan turbadora e incómoda, magníficamente fotografiada por Sean Bobbitt, ayuda a entender el estado anímico por el que pasan los hermanos protagonistas. Del mismo modo, la excelente banda sonora de Harry Scott envuelve de cierta incomodidad las imágenes de sexo más explícito. Son impresionantemente bellas algunas secuencias, como cuando Brandon sale a correr en plena noche (larguísimo y maravilloso travelling) o la actuación en el club de jazz a cargo de una entregada Carey Mulligan que, a pesar de no tener una gran voz, ni siquiera bonita, logra emocionar con su personal interpretación de la mítica canción NEW YORK, NEW YORK, que interpretaba Liza Minelli en la película del mismo título. Lejos de lo que pueda parecer los desnudos no son nada gratuitos (aunque si ver el desnudo integral de Fassbender sirve para llevar más gente a las salas, alabado sea). ¡¿Cómo, si no, contar una historia de adicción al sexo?!
Debo calificar la película de valiente, rompedora, provocadora, dura, cruda, devastadora, ruda... e imprescindible. A mí no me dio vergüenza verla, sufrirla, disfrutarla. ¡Que no os de vergüenza!
VALORACIÓN:

ALBERT NOBBS

¿Quién es ese chico?

Glenn Close. La atrevida y polifacética actriz, recordada por su soberbia interpretación de la Madame de Merteuile de LAS AMISTADES PELIGROSAS, recupera para el cine un personaje al que ya dió vida en el teatro en 1982: ALBERT NOBBS. A lo largo de estos años ha intentado en varias ocasiones llevar la historia de Nobbs al cine y finalmente lo ha conseguido de la mano de su amigo y fiel director Rodrigo García (hijo del escritor Gabriel García Márquez), con el que ya ha colaborado en tres ocasiones. Close es Nobbs, una mujer disfrazada de hombre que oculta a todo el mundo su verdadera identidad para poder trabajar y valerse por sí misma en la Irlanda decimonónica.
García, conocido principalmente por sus dramas corales, realiza una labor un tanto sosa y simplona, quizás encorsetado por un guión mal desarrollado y peor resuelto, quizás porque se centra en personajes poco interesantes como los que interpretan (muy correctamente) Mia Wasikowska y Aaron Johnson, o en el del propio Nobbs, que en ocasiones parece una figura de cera y queda un poco desdibujado. La estrella indiscutible de la función es Janet McTeer, actriz que borda su papel de Hubert Page, otra mujer transformada en hombre que se convertirá en el/la cómplice del/la protagonista y su más fiel aliado/a. McTeer representa las mejores escenas del film y dibuja un personaje con más carisma e interés que el de Close, a quien no quiero quitarle mérito, que lo tiene y mucho. De hecho, admiro su valentía y entrega a la hora de meterse en la piel de tan complejo personaje. Pero me creo más a McTeer, la cual sospecho que tiene más posibilidades de llevarse el Oscar que la propia Glenn Close, que ya ha estado nominada en seis ocasiones, incluyendo esta, y nunca ha sido galardonada.
La ambientación y la caracterización de la película están muy conseguidas y huyen de mostrar espacios y situaciones teatrales para ceder terreno, como debe ser, al lenguaje cinematográfico.
El resto del reparto está correcto e incluso acertado en sus actuaciones, atención a Pauline Collins como Mrs. Baker, la petulante patrona de Nobbs que en unas ocasiones es simpática y graciosa, y en otras es irritante y abusadora.
Una película con buenas intenciones que cuenta con una correcta factura pero que merecía más pasión y emoción, así como un "in crescendo" que desembocara en un final conmovedor (que no es el caso). Todo esto la hace una película ni admirable, ni despreciable, sino todo lo contrario.
VALORACIÓN:

EL BOLA

¿¡Quién quiere "pegar" a un niño?!

El año 2000 fue el de la transformación del Achero Mañas actor (bastante normalito) al Achero Mañas director (bastante elogiable). Este madrileño trató con enorme sensibilidad un tema tan peliagudo como el maltrato infantil. El Bola es un niño de doce años que vive en un barrio obrero de Madrid (ciudad sustituible por cualquier otra) llevando, aparentemente, una vida normal. Va al colegio, juega en el parque con sus compañeros y hace gamberradas sin medir el peligro y el daño que puede causar (cosas de la edad), pero también ha de compartir su vida con un padre agresivo que descarga su furia y rabia contra él, una madre cansada de lidiar con la casa y con la abuela impedida y el recuerdo de un hermano muerto. Por todo esto le es muy complicado relacionarse y comunicarse con otros chicos. Cuando llega al colegio un chaval nuevo, Alfredo, conoce la amistad y una realidad familiar diametralmente opuesta a la suya, que le da coraje para asumir lo que le ocurre y enfrentarse a ello.
Película tristemente costumbrista que trata con respeto a todos sus personajes sin sancionarlos ni indultarlos, simplemente narrando una realidad que por desgracia traspasa las pantallas y se da más de lo que nos gustaría. Todos los personajes tienen motivos (aunque no los entendamos ni compartamos) para hacer lo que hacen. Mañas no ha querido demonizar a nadie aunque es inevitable que, como espectadores, sintamos rabia, odio e impotencia hacia ese padre tan cobarde (por no llamarlo "hijo de ****") que tapa su desconsuelo propinando improperios, daños físicos y castigos psicológicos al más débil e indefenso: su hijo.
El reparto infantil/juvenil está muy logrado (sé por experiencia propia que Achero se implica en la busqueda de actores y en el proceso de casting), destacando el descubrimiento de Juan José Ballesta, el cual fue premiado con el Goya al Mejor Actor Revelación. No quiero dejar de mencionar al benjamín de la función, Omar Muñoz, que desprende naturalidad y una sorprendente (en alguien tan pequeño) profesionalidad. Les deseo a los dos muchos más éxitos, que me consta que los tienen.
No hay que desmerecer la labor de los adultos, para muchos de ellos su primer papel importante en cine, con Manuel Morón (profesor mío de interpretación) y Alberto Jiménez (mi compañero de clase de clown) a la cabeza, interpretando al padre del protagonista y al de su amigo respectivamente.
Nos encontramos ante una opera prima sensible (no sensiblera) que merece ser revisionada cada cierto tiempo pues da una lección de cine y, lo que es más importante, una lección de vida.
VALORACIÓN:

5 METROS CUADRADOS

Y sigue la mala host**!!!

Parece que con la crisis la gente está más sensibilizada con temas sociales relacionados con la economía así como con la manipulación y la estafa que los que están en la cima de la cadena alimenticia (los ricos y poderosos) ejercen sobre los que estamos en la base de dicha cadena (el populacho).
Max Lemcke, director de 5 Metros Cuadrados, se siente en la obligación moral de criticar una situación vergonzosa que se viene desarrollando en nuestro país desde tiempos inmemoriales: La estafa inmobiliaria.
Lemcke brinda a Fernando Tejero y Malena Alterio, actores esencialmente reconocidos en su faceta cómica, los roles protagonistas de este drama que viene a reflejar una terrible realidad, en la que por desgracia todos hemos estado o podemos estar. Álex (Tejero) y Virginia (Alterio) son una pareja normal de treintañeros con trabajos normales y sueldos normales (o sea mileuristas, y qué triste me parece asumir eso como normal) que deciden comprar un piso en las afueras de su ciudad, en una futura urbanización residencial con espectaculares vistas al mar. A pocos meses de la boda y de la entrega de la vivienda, el departamento de Medio Ambiente del ayuntamiento paraliza las obras y precinta la zona, pues el constructor (un estupendo Emilio Gutiérrez Caba), tras su correspondiente soborno a un concejal del ayuntamiento (Manuel Morón en un papel en la línea de la serie de Canal +, Crematorio, de la cual esta película bebe sin disimulo), está edificando en una zona protegida. Desesperados ante la negativa de la constructora de devolverles la entrada (todos sus ahorros más lo prestado por los padres de ella) o de entregarles una vivienda de similares condiciones, forman una plataforma de protesta para luchar contra la injusticia.
La película está interpretada con solvencia por todos los actores, que saben dotar a sus personajes del dramatismo requerido y aportan pequeños toques cómicos para humanizarlos y acercarlos al espectador. Quiero destacar a Jorge Bosch, al cual no recuerdo haber visto en cine, que me sorprendió por su versatilidad.
He de reconocer que la película no es una obra maestra y que en algunos momentos resulta un tanto populista, pero se nota que está hecha con profesionalidad, seriedad, emoción, humanidad y, como he comentado anteriormente, enjuiciando y censurando actitudes déspotas e injustas.
Es una obra coherente en casi su totalidad, aunque hay que reprobar a su director, guionistas y actores que no sepan resolver el clímax final que, no es por ser puntilloso, roza lo ridículo e inverosímil.
VALORACIÓN:

LA CONSPIRACIÓN

La Justicia no es Justa.

Robert Redford siempre ha sido claro con su postura política (más bien de izquierdas) y se ha mostrado crítico, ya sea en sus películas o en su vida pública y privada, con el sistema judicial americano, la participación de sus paisanos en guerras recientes y el bipartidismo político del país. Quizás por esto y porque vive en un territorio en el que impera un pensamiento y sentimiento muy derechista (vaya, como nosotros en estos momentos...), sus películas más activistas suelen ser un fracaso comercial. Ya le ocurrió con su anterior trabajo, Leones por Corderos, y ahora de nuevo con La Conspiración.
Este drama basado en hechos reales trata un capítulo vergonzoso de la justicia estadounidense que aconteció tras el asesinato de Lincoln, decimosexto Presidente de los EE.UU. Ocho personas son detenidas y acusadas de conspirar para matar al presidente, al vicepresidente y al secretario de Estado. La única mujer del grupo es Mary Surratt (Robin Wright), propietaria de una casa de huéspedes donde los acusados estuvieron alojados planeando los ataques. Un joven abogado, Fred Aiken (James MacAvoy), se ve obligado por su superior, Reverdy Johnson (Tom Wilkinson), a defender a la acusada, a pesar de que cree fervientemente en su culpabilidad. Poco a poco se va dando cuenta de que de lo único que es culpable es de encubrir a su hijo, el cual si formó parte de los atentados y está en paradero desconocido. A pesar de su empeño por salvarla de una muerte segura y de esmerarse en encontrar pruebas de su inocencia, el tribunal militar que la juzga y el Secretario de Guerra (Kevin Kline), secundados por el nuevo gobierno, la quieren como cabeza de turco para aleccionar y "tranquilizar" (según ellos) al desolado pueblo.
Todo el reparto está excelente, aunque debo destacar la madurez de Robin Wright y su emoción contenida durante la mayor parte del metraje, así como la caracterización (casi irreconocible) y buen hacer de Kevin Kline y la solvencia del emergente James MacAvoy. Sin desmerecer, para nada, los elogiables trabajos de Tom Wilkinson, Evan Rachel Wood, Justin Long y Danny Huston, que complementan y acompañan la labor de los protagonistas.
Redford demuestra un enorme talento para la dirección de actores (se nota que también es actor) y para rodearse de colaboradores que le ayuden a confeccionar un film con cuidados detalles de iluminación, sonido, maquillaje, peluquería, vestuario y decorados. A destacar la fotografía de Newton Thomas Sigel, que dota toda la película de unos tonos sepia que aportan belleza a las imágenes, y la música de Mark Isham que conduce las emociones del espectador a través de su partitura, en especial en el clímax final de la cinta y en el montaje paralelo del magnicidio de Lincoln y el intento de asesinato del secretario Seward.

Aviso 1: resulta un poco lenta al principio, pero cuando se transforma en una película de juicios (75% de la duración) coge un buen ritmo, así que paciencia que la cosa mejora a medida que avanza.

Aviso 2: de nuevo nos hallamos ante una peli de esas que da una rabia tremenda lo que cuenta y demuestra que el poder, en este caso político y militar, dispone de la justicia y de la vida de las personas a su antojo.
VALORACIÓN:

CONTAGIO

¡Pandemiaaaaaaa!

El hiperactivo e hipercreativo Steven Soderbergh cuenta en su último film estrenado, Contagio, con un reparto de vértigo encabezado por uno de sus actores fetiches, Matt Damon (con una pinta de zampabollos que asusta), al que siguen Kate Winslet, Gwyneth Paltrow, Marion Cotillard, Laurence Fishburne, Jude Law, Jennifer Ehle y Elliot Gould, entre otros. Todos ellos están como mínimo creíbles en sus personajes y cuentan desde diferentes puntos de vista las acciones y reacciones ante una posible pandemia viral a nivel mundial. El virus en cuestión, que se transmite a través del contacto físico, tiene un origen desconocido, así que diferentes organismos como la OMS o el departamento científico del gobierno de los Estados Unidos se ponen manos a la obra para averiguar de dónde viene y a dónde va el dichoso virus.
Contada de forma adrenalítica y apasionante en la primera hora, Contagio va perdiendo fuerza a medida que avanza, tanto en metraje como en el descubrimiento sobre la epidemia. Soderbergh nos adentra en un mundo frío y carente de sentimientos, o más bien de sentimentalismo, en el que lo que importa es el avance de la enfermedad y la manera de exterminarla o paliarla, más que el mundo interior de sus protagonistas.
Tejida como una larga cadena de ADN que se va dividiendo en secuencias más pequeñas y que desgranadas forman capítulos independientes, pero que unidas entre sí crean un puzle al que, para mi gusto, le sobran algunas piezas y le faltan otras.
A destacar la música de Cliff Martínez, que cuando la película lo requiere resulta electrizante o fría y distante, así como la fotografía de Peter Andrews (pseudónimo de Soderbergh, que como ya he dicho al principio es hiperactivo e hipercreativo), que muestra un mundo que se va volviendo gris y desolado según lo requiere la historia.
VALORACIÓN:

ONE DAY

Siempre el mismo día.
Una vez más me encontraba ante la tesitura de ver o no ver (esa es la cuestión) esa película que a priori parecía noña a más no poder. Y finalmente me armé de valor y de un par de acompañantes y la vi.
One Day, película romántica (siempre), cómica (a ratos) y esencialmente dramática, está basada en el libro (éxito de ventas) del mismo título de David Nicholls. Éste, que ha ejercido también de guionista, traslada a los protagonistas de su novela a la pantalla de forma algo fría. Aunque no sé hasta qué punto es culpa suya o de la directora, Lone Scherfig (An Education). Pero a pesar de ello, la película se deja ver e incluso a ratos, disfrutar.
Protagonizada por la talentosa Anne Hathaway (futura Catwoman en la tercera aproximación al heroe murciélago de Christopher Nolan) y por Jim Sturgess (Across the Universe), que se transforman en Emma y Dexter mostrándonos su realción amistosa-amorosa a lo largo de veinte años. Ella es una chica de clase media con talento para los estudios que sueña con ser escritora y que vive en secreto su amor por su mejor amigo, un díscolo chico de clase alta que quiere comerse el mundo. Cada 15 de julio se reencuentran para ponerse al día de sus vidas por separado. A medida que avanzan los años en la narración la cinta pierde esa frialdad de la que hablaba al principio, dejando de lado lo anecdótico para centrarse en una historia fresca y con encanto.
Sí, es noña, pero me valió la pena.
VALORACIÓN:

NADER Y SIMIN, UNA SEPARACIÓN

Cine iraní en estado de gracia.

Escarbando en mi memoria no logro encontrar ninguna película de Irán que haya visto anteriormente. Y la verdad es que vista Nader y Simin, una separación, me pregunto el porqué. Su director, Asghar Farhadi, cuenta en su filmografía con películas de renombre como A Propósito de Elly, que en su día no me llamó la atención, pero que espero recuperar pronto (de manera legal, por supuesto).
Nader y Simin, una separación, ganadora del Oso de Oro a la mejor película en la edición del 2011 del Festival de Berlín, así como dos Osos de Plata a las mejores interpretaciones masculina y femeninas para su pareja protagonista, nos acerca a la vida de un matrimonio que se enfrenta a una de las situaciones personales más difíciles, la separación. Simin, mujer con miedo al futuro de su hija que quiere emigrar a otro país para poder ofrecerle una buena educación y una seguridad que en Irán es bastante complicada de conseguir, se encuentra con que su marido, Nader, no quiere abandonar a su padre, recientemente diagnosticado de Alzheimer. Ella pide el divorcio, pero las estrictas e injustas leyes de su país se lo deniegan y es entonces cuando decide irse a vivir con sus padres. Nader, que no da abasto con la casa, su trabajo, su hija (que decide voluntariamente quedarse a vivir con el padre, esperando así que la reconciliación de sus progenitores no tarde en llegar), contrata a una señora para que le ayude a cuidar de su anciano padre, a partir de lo cual su pequeño infierno particular se convierte en una gran pesadilla.
Todos los personajes mienten u ocultan cosas y pese a ello no son malos, sino humanos que aciertan o yerran en sus decisiones (como casi todo hijo de vecino).
Un bombón de película que nos muestra que pese a las diferencias culturales y religiosas, las personas no somos tan diferentes ante la pobreza, el desamor, la enfermedad y que cuando estamos desesperados (y más ante una sociedad tan restrictiva) hacemos cualquier cosa para salir adelante.
VALORACIÓN:

SOMEWHERE

Hundido en la cima.
La nueva película de la "hijísima", Sofia Coppola, llega con bastante retraso a nuestras carteleras y tras pasar por la polémica de salir victoriosa como mejor película en el pasado Festival de Venecia.
Emparentada en cierta medida con Lost in Translation, cuenta como la estrella de cine Johnny Marco, que vive en el famosísimo hotel Chateau Marmont de Los Ángeles (donde residieron entre otros Marilyn Monroe, Greta Garbo y Mick Jagger) rodeado de lujos, dinero, mujeres, sexo y alcohol, esconde en realidad una vida vacía y solitaria. Su hija Cleo de 11 años aparece en su vida de repente llenando de luz, ilusión y esperanza la vida del actor.
Somewhere es una película muy contenida y difícil de digerir pues muestra el anodino y rutinario día a día del protagonista recreándose en los tiempos muertos y de reflexión y consiguiendo que casi nos metamos en su mente. A pesar de que parece que no ocurra nada, se muestra con crudeza la diferencia entre la vida pública (el festival de cine italiano donde se premia al actor) y privada (los largos paseos en coche, los estriptis en la habitación del hotel, entre otros) de una estrella hollywoodiense, así como el nacimiento de una relación padre-hija muy interesante. Elle Fanning (Cleo) vuelve a demostrar su enorme talento y Stephen Dorff (Johnny) se mimetiza con su personaje y se reconcilia con el cine aportando a su caracterización matices (especialmente cuando ve a su hija patinando) que yo dudaba que este actor pudiera ofrecer.
VALORACIÓN:

BEGINNERS

Saliendo del armario.
Cuando Oliver (Ewan McGregor) conoce a Anna (Mélanie Laurent) e inicia una relación con ella, empieza a recordar a su recientemente fallecido padre (Christopher Plummer), que unos meses antes de morir confiesa a su hijo que es gay y ha vivido toda la vida junto a su madre ocultando su verdadera condición. Lejos de alejarse de él, se unen creando una relación más cercana a la amistad que a la de padre-hijo.
Mike Mills, director de la cinta, da un giro a la típica situación de hijo homosexual confesando a sus padres su orientación sexual, haciendo que sea la figura paterna la que confiesa al hijo su mayor secreto. Pero en realidad la película trata de muchas otras cosas como el amor, el desamor, la muerte, la soledad y la enfermedad.
Beginners está narrada con una serie de flashbacks que justifican las acciones del protagonista en el presente (influenciado por sus progenitores y el joven novio de su moribundo padre). Una película con un tono nostálgico muy conmovedor que mezcla drama y situaciones cómicas (como las protagonizadas por McGregor y el perro "parlante-pensante" de su padre) y siempre mostrando todo con mucho respeto. Los actores están todos muy bien en sus roles y demuestran una química impresionante. Solo hay que recriminarle a Mills que deje un poco colgado el personaje femenino, el cual resulta confuso y difícil de entender
VALORACIÓN:

EL ÁRBOL DE LA VIDA

Yo confieso: me ha gustado.

Terrence Malick, director poco prolífico que tan solo ha dirigido cinco películas en 38 años, llega ahora a los cines con la ganadora de la Palma de Oro en el último Festival de Cine de Cannes, El árbol de la vida. En ella nos cuenta dos historias que a priori no tienen nada que ver la una con la otra. Una es el drama que vive una familia de clase media americana en los años 50, recordado en la época actual por el hijo mayor (Sean Penn), alternando así flashbacks y flashforwards. La otra es una especie de documental sobre la creación del mundo y de sus especies hasta la caída del famoso meteorito que provocó la extinción de los dinosaurios.
A mi entender (que no es que la entienda mucho) la parte documental no pinta nada en medio de la película y aunque las imágenes son espectaculares y están muy bien filmadas, me hubiera gustado más si hubiera sido una película independiente. Por cierto, luciría genial en pantalla IMAX.
La otra historia me ha parecido muy bonita y muy dura. Es de esos relatos que me hacen soltar la lagrimita a la primera de cambio, pero por lo complejo de la trama, la densa filosofía y la coexistencia de lo científico con lo religioso, mi mente no daba más de sí y las lágrimas no afloraron. Me da la sensación que las emociones se quedan en la pantalla y no logran atravesarla para llegar al espectador. Quizás por la opulencia de las imágenes y sus vaivenes atrás y adelante en el tiempo (uno de los personajes muere y al cabo de dos escenas vuelve a aparecer, y luego desaparece, y ahora le lloran, y ahora ríen con él...un lío, vamos) hay algo que no me ha terminado de conectar.
El reparto está muy logrado, en especial los niños, que desprenden naturalidad en todas las secuencias (si el tiempo no los echa a perder darán mucho que hablar). Brad Pitt, como siempre fantástico y su partenaire, Jessica Chastain, es un gran descubrimiento y pedazo de actriz a tener en cuenta a partir de ya.
La banda sonora de Alexandre Desplat y los fragmentos de música clásica seleccionados acompañan las imágenes y dan más profundidad si cabe a la historia.
Poesía en imágenes y arte en estado puro nada recomendada para los que odian la lentitud, porque si otra cosa tiene la película a parte de lo ya comentado es que es tremendamente lenta, pausada y reflexiva.
VALORACIÓN:

LAS HORAS

"La señora Dalloway dijo que compraría las flores ella misma".

Las Horas, película dirigida en el año 2002 por Stephen Daldry y basada en la novela del mismo título de uno de los grandes escritores del siglo XXI Michael Cunningham, es una de las historias más bellas que he leído y visto en una pantalla.
En ella se cuenta la historia de tres mujeres en tres épocas distintas y en tres lugares distintos y con tres maneras distintas de afrontar la homosexualidad y la muerte. Pero con varios puntos en común entre ellas. A las tres las embarga una enorme tristeza y melancolía. Nicole Kidman (ganadora del Oscar por su interpretación) nos cuenta un posible episodio, en la Inglaterra de los años 20, de la vida de la escritora Virginia Woolf durante el proceso de escritura de su novela más conocida (Mrs. Dalloway). Julianne Moore es en Los Ángeles de los años 50 Laura Brown, un ama de casa infelizmente casada que a través de la lectura de Mrs. Dalloway descubre y decide hacer un cambio radical en su vida. Finalmente Meryl Streep (grande entre las grandes e interpretando con todas las partes de su cuerpo) se pone en la piel de Clarissa Vaughn, una moderna señora Dalloway, que al igual que la protagonista de la novela nos enseña un día de su vida en el cual tiene que organizar una fiesta para su amigo Richard (Ed Harris brillando igual que las tres actrices) en el Nueva York actual.
Muy destacable también la banda sonora de Philip Glass, el maquillaje, la peluquería, el vestuario, la fotografía, el montaje, TODO.
VALORACIÓN:

CLOSER

Cegados por el deseo.
Mike Newell dirigió con elegancia este drama basado en la obra teatral de Patrick Marber en el año 2004. En el film cuatro extraños comparten amores, celos, sexo, abandonos y reconciliaciones. Como no podía ser de otro modo dieron vida a los complejos personajes protagonistas cuatro estrellas y pedazo de actores que se comen la pantalla. Julia Roberts está más bella que nunca interpretando a Anna y llena de matices (atención a sus expresiones en el acuario ante el "calentorro" discurso de Clive Owen). Natalie Portman, preciosa, adquiere el rol de Alice y consigue mostrar la fragilidad y sensualidad de su personaje con una sencillez que hace fácil el trabajo de actriz. Jude Law es Dan, un escritor fustrado que redacta las necrológicas de un periódico y vuelve a mostrar su lado más turbador. Finalmente Clive Owen, tan guapo como sus compañeros, se pone en la piel (nunca mejor dicho) del dermatólogo Larry, un hombre tierno y juguetón que con su mirada habla más que con sus palabras. Y eso que precisamente lo que hay en Closer son palabras. Toda la película se cuenta a través de diálogos, miradas, gestos y música (destacando por encima de toda la banda sonora el tema principal de Damien Rice "The Blower's Daughter").
VALORACIÓN:

ÁTAME!

"¿Cómo te puedes enamorar de un hombre que te secuestra y te ata a la pata de la cama?"
Pues llamándote Victoria Abril y siendo la protagonista de Átame!, película escrita y dirigida por Pedro Almodóvar en 1990.
La última colaboración entre el director manchego y Antonio Banderas, antes de dar el salto definitivo a Hollywood, deja en el recuerdo excelentes secuencias como el baño "relajante" que toma la protagonista acompañada de un travieso submarinista que se adentra en húmedos recovecos o esa maratoniana escena de sexo entre Ricky (Banderas) y Marina (Abril).
Y no sólo de escenas de sexo vive este film romántico (no podemos negar que esconde una de las historias de amor más pasionales y románticas del cine), también de actores secundarios de la altura de Paco Rabal (en su sillita eléctrica) o Loles León que lo mismo canta, que baila, que emociona o hace reir.
Átame! obtuvo la friolera de 15 nominaciones a los premios GOYA aunque finalmente no se llevó ninguna estatuilla. Otra de las grandes injusticias de la academia con el mejor director que ha dado la cinematografía española.
No pasan los años por ella, y como cada agosto la revisiono y la disfruto como si fuera la primera vez.

VALORACIÓN:

BETTY ANNE WATERS

La nueva Erin Brockovich.
Cuando leí el argumento de Betty Anne Waters enseguida me vino a la cabeza el drama basado en hecho reales que dirigió Steven Soderberg en el año 2000. Once años después nos llega otra historia verídica sobre una mujer en la treintena que lucha contra un sistema judicial americano tan injusto como el de cualquier otro país.
En este caso la protagonista, interpretada magistralmente por Hilary Swank, es una mujer divorciada, con dos hijos a su cargo, camarera en un bar de copas y estudiante de derecho. Hasta ahí todo correcto. Pero el drama de la historia, y bien gordo, es que ésta se pone a estudiar derecho para conseguir sacar a su hermano de la cárcel, donde entró por un asesinato que no cometió y donde pasó 18 años de su vida.
Película muy recomendable no solo por las actuaciones, también muy destacable la de Sam Rockwell como hermano encarcelado, sino porque trata con seriedad, respeto, dureza, emoción y educación un tema que de otro modo hubiera quedado ridículo y patético (como los telefilmes de Antena 3 a media tarde).
Una pena que no vayan a nominar (y si no al tiempo) a Hilary Swank al Oscar, porque una vez más se lo merece.

VALORACIÓN: