CHRONICLE

Héroes cotidianos.
De un tiempo a esta parte viene siendo habitual, tanto en cine (WATCHMEN, KICK-ASS) como en televisión (MISFITS, HEROES), encontrar historias de gente normal a la que le pasan cosas extraordinarias.
CHRONICLE tiene puntos en común, sobre todo, con las dos series mencionadas.
Tres amigos del instituto descubren un cráter que alberga un cristal de otro planeta. Cuando entran en contacto con el misterioso mineral empiezan a desarrollar poderes. Así, de la noche a la mañana, descubren que tienen súper fuerza, telequinesis y, lo más importante (y chulo)... pueden volar.
Josh Trank, director debutante en cine, nos cuenta esta fantasía con cámara subjetiva de modo que la cinta tiene ese aire de "falso" documental, supuestamente rodado con la cámara de video de uno de los protagonistas.
Este tipo de películas, rodadas con cámara en mano, me desagradan y me gustan precisamente por lo mismo; porque integran al espectador en lo que se está contando como si fuera uno más de la historia. ¿Por qué esto es motivo para que no me gusten? Porque en muchas ocasiones consiguen justo el efecto contrario, que no me identifique con lo que se está contando y no me sienta parte del relato. Entre los movimientos bruscos de cámara, que normalmente me provocan mareo, las imágenes con exceso de grano, que para mi gusto afean la fotografía, así como el hecho de que de repente deje de haber una única cámara para narrar los acontecimientos, apareciendo distintos ángulos y planos en los que se ve a todos los protagonistas actuando (incluso al que se supone que lo está filmando todo)... me paso más rato analizando y descubriendo errores que disfrutando de la peli. Con CHRONICLE, hay un poco de todo, pero más bien consiguió atraparme. A pesar de que tiene los tres fallos que he comentado anteriormente, también tiene un buen argumento, con un mejor desarrollo, unos personajes redondos, muy cercanos y ese punto de fantasía, de sueño hecho realidad, que tanto me gusta.
Es muy entretenida y divertida en su primera mitad que sirve para presentarnos a los personajes. Vamos descubriendo poco a poco cómo van adquiriendo sus poderes, cómo se entrenan para desarrollarlos y perfeccionar sus habilidades. Es muy emocionante verlos jugar a fútbol entre las nubes. En cambio la segunda mitad se convierte en una cinta inquietante a la par que sombría en la que los accidentes, más o menos provocados, y las muertes se van sucediendo. Uno de los personajes va desarrollando su faceta de supervillano, convirtiendo el tramo final en la lucha del "bien" contra el "mal".
Una grata sorpresa, fresca, divertida, inteligente, con interpretaciones naturales, dirigida con destreza y con efectos visuales muy correctos.
VALORACIÓN:

ATTACK THE BLOCK

Invasión alienígena en Londres.
Por alguna extraña razón que se escapa a mi entendimiento los aliens suelen escoger los Estados Unidos como objetivo de sus invasiones. Pero en esta ocasión un barrio humilde del sur de Londres ha sido el elegido para sufrir el ataque de un grupo de extraterrestres con muy mala leche y, lejos de lo que pueda parecer, los vecinos de este barrio están más que preparados (a su manera) para enfrentarse a los invasores. En concreto, una pandilla de amigos que atracan a una muchacha solitaria durante una noche festiva, se armarán de bates de béisbol, petardos, cadenas, bicicletas y una katana para hacer frente a unos peligrosos monstruitos (que parecen los hermanos mayores de los CRITTERS) con apariencia de gorilas y dentadura fluorescente que vienen a La Tierra con ganas de gresca... ¡y la van a tener!
ATTACK THE BLOCK, película dirigida por el debutante Joe Cornish, fue la gran triunfadora del pasado "Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya" (Sitges 2011) alzándose con los premios a la Mejor Banda Sonora Original, el Premio Especial del Jurado, el Gran Premio del Público a la Mejor Película y el Premio de la Crítica José Luis Guarner. Cornish ha creado un entretenimiento hecho para divertir tanto al público friki asiduo de festivales como el anteriormente mencionado, como a nostálgicos de las películas ochenteras de la factoría Spielberg o degustadores de comedias fantásticas british tipo ZOMBIES PARTY o PAUL. Esto no sería malo si además se hubiera acordado de la gran masa, esa que llena salas de cine y consume palomitas y Coca-Cola en cantidades ingentes, ya que hubiera conseguido lo que me da la sensación que pretendían los productores, forrarse. Así que, finalmente, le ha quedado una obra un tanto descafeinada, pues no llega a ser todo lo cafre y loca que podría haber sido (y que yo hubiera aplaudido), pero tampoco es un producto mainstream al uso.
La película se nutre de un guión lleno de toques cómicos, de unos actores juveniles en estado de gracia (atención a los simpáticos e incluso monísimos niños pequeños apodados Caos y Problemas) y unas escenas de acción bien resueltas. Igualmente sale airosa usando de manera inteligente los espacios laberínticos donde transcurre la historia.
Los efectos especiales son un poco de estar por casa, lo que confiere al resultado final un toque aún más pronunciado de serie B, pero no por ello resultan vergonzosos.
Recomiendo verla sin pretensiones de más. Es una película para pasar un buen rato y ya está.
VALORACIÓN:

STAR WARS. EPISODIO I: LA AMENAZA FANTASMA

El retorno a los cines de La Guerra de las Galaxias en 3D.

Siempre es un lujo ver en pantalla grande un espectáculo visual y sonoro del nivel de Star Wars. En esta ocasión la excusa para reestrenar el primer episodio de la saga es la transformación de la película a las 3D. Y eso precisamente es lo que me resultaba menos atractivo cuando me planteaba volver a verla en cine, ya que estoy un poco escamado con la moda de pasar las películas a 3D con tal de sacarle más cuartos a los frikis (como yo). Al final la experiencia no ha sido tan desastrosa puesto que el señor Lucas, creador, guionista, productor y director de STAR WARS. EPISODIO I: LA AMENAZA FANTASMA, se lo ha trabajado bastante para que no pareciera que estamos viendo una película llena de recortables que es lo que suele ocurrir con tales transformaciones. Tridimensionar la película ha servido para dar profundidad a las secuencias y poca cosa más.
Vista con un poco de distancia, debo reconocer que la peli no está nada mal, aunque no goce del prestigio ni de la calidad de la trilogía original. Cuando hablo de calidad me refiero a nivel argumental, pues se sobreentiende que, al estar hecha veintidós años después de la ahora llamada STAR WARS. EPISODIO IV: UNA NUEVA ESPERANZA, los aspectos técnicos de la trilogía moderna están mucho mejor realizados y rematados.
En esta precuela nos trasladamos a los años de infancia de Darth Vader, cuando vivía en el planeta Tatooine con su madre Shmi y todavía se llamaba Anakin Skywalker, a la juventud de Obi-Wan Kenobi y al resurgir de los extintos caballeros Sith (los Jedi del lado oscuro de la Fuerza). La Federación de Comercio, bajo las órdenes de Darth Sidious (también conocido como el Emperador), ha sitiado el planeta Naboo que regenta la joven reina Padmé Amidala. El caballero Jedi Qui-Gon Jinn y su joven padawan (aprendiz) Obi-Wan la escoltaran, a lo largo de la galaxia, en su viaje a Coruscant, capital de la República, donde tratará de obtener ayuda del Senado y del consejo Jedi liderado por el maestro Yoda.
George Lucas supo rodearse de un plantel de flamantes actores de gran categoría para dar vida a los protagonistas de su nueva aventura galáctica entre los que destacan Ewan McGregor, Liam Neeson, Natalie Portman, Samuel L. Jackson, Ian McDiarmid, Jake Lloyd, Pernilla August y Terence Stamp, y para que los nostálgicos estuviéramos felices mantuvo a los droides R2-D2 y C-3PO.
De las seis películas que, por ahora, forman parte de la saga, esta es la más infantil y en ciertas ocasiones la más lenta e insulsa, pero cuenta con momentos estelares que quedan en la retina y en la memoria del espectador como la espectacular carrera de vainas o la genial pelea de sables luz de Qui-Gon y Obi-Wan contra el desaprovechado Sith Darth Maul. La música de John Williams es tan bella y monumental como cabe esperar de él destacando la que acompaña esta pelea precisamente, que cuenta con un sensacional coro que amplifica el dramatismo de la escena.
Para fans de toda la vida y para captar nuevos adeptos.
VALORACIÓN:

1997: RESCATE EN NUEVA YORK

¡Qué mal envejecen algunas películas!
Prácticamente todas las películas de John Carpenter tienen esa extraña mezcla de modernidad y "vintage" que las hace tan carismáticas y divertidas. En el momento de su estreno todas resultan rompedoras y se convierten en clásicos pero al cabo del tiempo uno se da cuenta de que, algunas, rozan el ridículo. Precisamente eso es lo que pensé tras hacer una revisión de 1997: Rescate en Nueva York, película que en mi memoria era "la caña" pero que por vete tú a saber el motivo se ha vuelto ultra casposa.
Película rodada en 1981 pero ambientada en un futuro 1997 post-apocalíptico (qué raro se me hace ver un supuesto futuro que para mí ya es pasado) donde la isla de Manhattan se ha convertido en una prisión de alta seguridad de la cual es casi imposible escapar. El presidente americano sufre un accidente de avión mientras sobrevuela la isla y su aeroplano cae en medio de la desolada ciudad de los rascacielos, donde un grupo terrorista lo secuestra con intención de pedir la liberación. Ante la dificultad de mandar a la policía o al ejército para rescatar al presidente, logran convencer a "Serpiente" (Kurt Russell), un criminal ex miembro de las fuerzas especiales, para que libere al jefe de estado a cambio del indulto.
Esta cinta de serie B se sostiene gracias al carismático personaje al que da vida Russell, actor fetiche de Carpenter, que mezcla los heroes ochenteros musculados y super machos con sus némesis "outsider", villanos fuera de toda ley y círculo social convencional. Russell se muestra cómodo haciendo de este individuo y sale airoso tanto en la acción puramente física como en la "intelectual" (ejem, ejem...).
Obra de ciencia ficción tan oscura y adulta como divertida y entretenida que si se ve como lo que es, pura serie B, no defraudará.
VALORACIÓN:

MELANCOLÍA

Otra Tierra + El Árbol de la Vida = Melancolía (o la locura de Lars Von Trier)

Aturdido y desconcertado serían las palabras que mejor definen la sensación que me quedó al salir del cine tras ver la última película de Von Trier. ¿Qué ha hecho este hombre? ¿Qué pretendía hacer? ¿Qué quiere transmitir? Son solo algunas de las muchas preguntas que ha generado este esperpento.
Melancolía está narrada en tres partes: un prólogo de espectacular belleza plástica y dos capítulos muy diferenciados que trataré de manera independiente.
Película grotesca en su primera mitad, el innecesario capítulo de Justine (Kirsten Dunst) trata de contar, creo, el estado depresivo que padece la protagonista durante el día de su boda con Michael (Alexander Skarsgard). Este primer capítulo está plagado de estrellas cinematográficas de la talla de John Hurt (el padre de la novia), Charlotte Rampling (la madre de la novia), Stellan Skarsgard (padrino de la boda y jefe de la novia, aunque en la vida real es el padre de Alexander), Udo Kier (el organizador del enlace), Kiefer Sutherland (el cuñado de la novia) y Charlotte Gainsbourg (la hermana de la novia), que se pasean como pueden por el extraño mundo que describe el director danés, haciendo gala de su buen hacer interpretativo a pesar de lo confuso que resulta todo. Tras más de una hora de continuos disparates, mal rollo por doquier, narración lenta en cuanto al transcurso del tiempo y a la vez acelerada por los mareantes (literalmente) movimientos de cámara, en resumidas cuentas, una tomadura de pelo que no sirve para nada ni aporta nada, llega un segundo capítulo que ahora paso a analizar. 
VALORACIÓN:

El episodio dedicado a Claire (Gainsbourg) es una película de catástrofes al estilo Armageddon, en la que el planeta que da nombre al film, Melancolía, que ha estado siempre oculto tras el sol, se acerca precipitadamente hacia La Tierra, amenazando con colisionar contra ella y por lo tanto de acabar con la humanidad. El nombre del inquietante planeta hace referencia al estado depresivo en el que se hallan los protagonistas y a medida que este se aproxima, más crece la tristeza y el desasosiego, no solo de los humanos, sino también de los animales (caballos, gusanos, polillas...).
Las actrices protagonistas están soberbias en esta sección y transmiten con sutileza la desesperación, en el caso de Claire, y la resignación y aceptación, en el caso de Justine, ante la inminente hecatombe.
VALORACIÓN:

Sin la absurda primera parte hubiera quedado una película correcta y coherente, aunque para nada perfecta, pues toda la cinta está bañada de cierta superficialidad, a pesar de la profundidad que el señor Von Trier cree haber aportado. Las emociones quedan diluidas ante tanta confusión y no llega a conmover. Mal rollo hecho cine con imágenes bellas y sobrecogedoras y un final espeluznante muy bien acompañado por la música de Wagner.
VALORACIÓN FINAL:

ACERO PURO

Puro Aço + reflexión.
En mi escapada lisboeta de hace tres semanas pude ver esta cinta, mezcla de acción y ciencia ficción, en su estreno en el país vecino. Y allí (como en casi todos los países del mundo) tampoco doblan las películas (excepto las infantiles). Se estrenan todas en versión original con subtítulos en portugués. Lo cual me lleva a una reflexión: ¿por qué en España somos tan cutres y doblamos las películas al castellano, catalán, gallego...? El trabajo del actor, aparte del talento de cada uno para transmitir emociones, se basa en tres pilares fundamentales: expresión corporal, expresión facial y expresión vocal (explicado a grandes rasgos). En nuestro país no respetamos el trabajo de los actores, ya que como somos unos vagos-egoístas, decidimos censurar las voces originales de los actores (33% de su trabajo) para que la misma voz que anuncia un coche en la tele ponga la voz a Eric Bana, Colin Firth o Michael Sheen, o que Robert de Niro, Richard Gere, Dustin Hoffman, Harvey Keitel, John Hurt, Bill Murray, Al Pacino, Mickey Rourke y Sylvester Stallone (solo por mencionar algunos), que tienen voces tan distintas en su idioma, compartan la del mismo doblador en España. PENOSO.
Pero a lo que estamos, Acero Puro es una película hecha al servicio de la estrella de turno, en este caso Hugh Jackman. Pensada para que muestre su enorme musculatura (todos sabemos que Jackman tiene una cláusula en sus contratos que le obliga a quitarse la camiseta como mínimo una vez en cada película, jejeje) y porqué no decirlo, también su talento como actor, que lo tiene y aquí vuelve a quedar patente. Aunque quien se lleva la palma y el protagonismo es el joven actor Dakota Goyo que interpreta con mucha solvencia al hijo de Jackman, dando menos rabia que su padre ficticio.
Aunque parezca una película adulta y violenta, por la subtrama del boxeo entre robots que en seguida paso a explicar, es en realidad un producto familiar y juvenil (por no decir infantil), ideal para las fiestas navideñas, que mezcla el drama, la comedia, la acción y el ambiente futurista de ciencia ficción a partes iguales, de manera muy inocente, blanca y convencional.
En un futuro en el que se prohíbe el boxeo entre hombres, y en el que luchan robots, Charlie Kenton (Jackman) boxeador retirado reconvertido en entrenador de robots, debe hacerse cargo de su hijo Max (Goyo), al que nunca ha visto, tras la muerte de su madre. Los dos se muestran reacios a compartir sus vidas hasta que encuentran un punto en común, los robots. Max ve como su padre y su ultra novísimo robot acumulan derrotas y deudas por la chulería y mala cabeza del progenitor. Cuando en un combate pierden a su androide, Max propone usar a Atom, uno que encontró en un vertedero y que él mismo arregló con ayuda de Bailey (la bellísima Evangeline Lilly) y que parece imitar todo lo que hace el niño. Cuando descubren el talento de Atom para el combate y unen sus fuerzas y talentos, su suerte cambia al mismo tiempo que crece el cariño entre padre e hijo.
La historia es predecible y a ratos aburrida. La dirección de Shawn Levy resulta pobre y aburrida. La ambientación es sosa y aburrida. La música de Danny Elfman parece hecha de descartes de otras bandas sonoras y es aburrida. En definitiva, es una película aburrida si eres adulto y has disfrutado de pelis de boxeo como Rocky, Million Dollar Baby o Toro Salvaje o de pelis de ciencia ficción con robots como A.I. Inteligencia Artificial o Eva, pero divertida si eres un niño.
VALORACIÓN:

GATTACA

Marcado por la genética.

La ópera prima de Andrew Niccol hacía presagiar que teníamos ante nosotros a un nuevo y prometedor talento de la ciencia ficción cinematográfica. Pero todo quedó ahí, en promesas de buenas películas que aún están por llegar, pues después de Gattaca no ha vuelto a contar ni con el reconocimiento, ni con el apoyo, ni lo más importante, con el talento del que hablaba. Dicen que la esperanza es lo último que se pierde, así que a pesar de que no me parece nada atractiva la propuesta que nos presenta este año, In Time, seguiré esperando con ganas sus nuevos proyectos.
Pero a lo que vamos, Gattaca es una película ambientada en un futuro en el que los niños son fecundados in vitro y alterados genéticamente para así eliminar, entre otras cosas, riesgos de enfermedades tanto físicas como psíquicas. Ethan Hawke (como casi siempre muy correcto en su interpretación) da vida a Vincent, uno de los pocos niños traídos al mundo de la manera tradicional y que padece un defecto cardíaco, así que sus posibilidades de triunfar ante el resto se ven mermadas, más aún cuando su sueño es entrar en la "Corporación Gattaca" para formar parte de misiones espaciales. Jude Law (asumiendo su primer papel importante en el cine y destacando ya por su carisma) es Jerome, un deportista de élite que se queda paralítico al sufrir un accidente y ofrece su identidad y fluídos corporales a Vincent para poder engañar a la Corporación y así acceder a su anhelado sueño. Cuando se comete un asesinato en la Corporación y se inicia una investigación, las cosas se complican para los protagonistas.
Gattaca se ha convertido en uno de esos largometrajes de culto que cuenta con un buen guión sci-fi (ciencia ficción), sólidas interpretaciones (a parte de los protagonistas lucen Uma Thurman, Loren Dean, Alan Arkin, Elias Koteas e incluso Gore Vidal), una banda sonora del maestro Michael Nyman, sutil o intensa según lo requiera la acción, e imágenes épicas como las competiciones a nado entre Vincent y su hermano, el paseo al amanecer de Thurman y Hawke por un campo lleno de placas solares o éste lavándose y exfoliándose constantemente para eliminar las células muertas de su cuerpo.
Una película llena de mensajes de caracter universal que se merece ser un film de culto.
VALORACIÓN:

OTRA TIERRA

Ciencia Ficción indie.

Otra Tierra es una rara avis dentro del cine de ciencia ficción, pues no es una demostración de la grandeza de los estudios de cine americanos en cuanto a gastos inconmensurables en efectos visuales y de sonido, en contratación de estrellas (actores mega famosos de esos que cobran más de lo que realmente merecen o directores y guionistas con un ego mayúsculo), en promociones mastodónticas... sino que es una película pequeña, independiente y reflexiva. Escrita por su director, Mike Cahill, y por la actriz principal, Brit Marling, los cuales mezclan la trama fantástica de la aparición en el cielo de Otra Tierra idéntica a la que habitamos y el drama personal que vive la protagonista tras provocar un accidente automovilístico en el que morirán practicamente todos los integrantes. Cuatro años después del trágico accidente y tras salir de la cárcel donde cumple condena, Rhoda (nombre de la protagonista) es seleccionada para viajar a la réplica de la Tierra, antes de lo cual siente la necesidad de encontrar al único superviviente del accidente y pedirle perdón por lo ocurrido. Cuando conoce a John, el padre de la familia fallecida, se crean unos vínculos especiales entre ellos...
Una vez vista me vinieron a la mente películas como Prime o Los Cronocrímenes, con las que tiene más de un punto en común. En todas ellas hay pocos personajes, pocos escenarios, pocos F/X y mucho talento. Aunque si hay algo que haga difierir a Otra Tierra de los títulos comentados es que en ocasiones resulta excesivamente lenta y puede llegar a aburrir, aunque la intención de sus creadores sea la de dar tiempo para empatizar con los personajes y reflexionar sobre las emociones que vemos en pantalla. Hay que destacar varios momentos brillantes que dejan boquiabiertos, como el accidente que da inicio al film, la aparición del nuevo mundo, el primer contacto con los habitantes de este que demuestra que son una copia idéntica a nosotros, la historia que Rhoda cuenta a John con el único acompañamiento del repiqueteo de un cuchillo contra la mesa de madera, la confesión de culpabilidad de Rhoda y un final impactante y bello.
VALORACIÓN:

SUPER 8

Los ochenta no están muertos.

Un grupo de amigos en plena adolescencia están rodando una película de zombis en Super 8 cuando presencian el espectacular y terrible accidente de un tren, a partir del cual empezarán a ocurrir cosas muy extrañas en su pequeña ciudad.
J.J. Abrams escribe y dirige Super 8, película de ciencia ficción y aventuras juveniles al más puro estilo Spielberg (productor del film). Pese a pequeños fallos de guión (niños burlando la estricta vigilancia del ejército) o personajes completamente prescindibles (el dependiente de la tienda de fotografía), la película brilla por su frescura e inocencia y el saber hacer del director. Se nota que Abrams ha disfrutado creándola y buscando similitudes con productos como Cuenta Conmigo, E.T. o Los Goonies.
Los actores protagonistas, pese a su inexperiencia, estás estupendos y muy naturales en sus roles destacando por encima de todos Elle Fanning (¿qué tiene la familia Fanning para hacer niñas con tanto talento?).
Película emotiva, nostálgica e imaginativa a partes iguales para todos aquellos que aman el cine de los ochenta.
(Recomendación: que nadie se pierda los títulos de crédito finales que van acompañados de un cortometraje muy divertido).
VALORACIÓN: