EXTRATERRESTRE

Terrestres muy marcianos.
Nacho Vigalondo es un aclamado guionista y director de cortometrajes (recordemos que 7:35 DE LA MAÑANA, del año 2003, estuvo nominado a los Oscar) que poco a poco va encontrado su público en el terreno del largometraje. En 2007 debutó en el largo con la extraordinaria cinta de ciencia ficción LOS CRONOCRÍMENES, film que daba una vuelta de tuerca a los viajes en el tiempo contando algo ya visto en infinidad de ocasiones pero de manera novedosa y original.
En EXTRATERRESTRE pretende seguir girando la tuerca pero en este caso la de la comedia romántica añadiendo a la típica trama de chico conoce chica una invasión alienígena. El resultado no acaba de ser todo lo satisfactorio que esperaba. No me quedó claro qué quiere contar ni el tono en que lo quiere contar. ¿Es una comedia romántica? ¿Una comedia de acción? ¿Una comedia descerebrada? ¿Ciencia ficción? ¿Drama intimista? Todo eso y mucho más y nada de eso a la vez.
Julio (Julián Villagrán) despierta resacoso en la cama de Julia (Michelle Jenner), una chica a la que conoció en la discoteca la noche anterior. Cuando la chica pretende echarlo de casa descubren que un platillo volante corona el cielo de Madrid. Con la ciudad evacuada por el ejército, Julio y Julia se ven atrapados en el apartamento donde recalarán su novio (Raúl Cimas) y el vecino pesado obsesionado con ella (Carlos Areces).
Julián Villagrán está extraordinario dando vida a un personaje cercano, muy realista y con unos toques de humor muy fino. Felicidades. Michelle Jenner, monísima, está bastante bien a pesar de que la encuentro un poco joven, en comparación con sus compañeros de reparto, para el personaje. Carlos Areces está, como casi siempre, grandioso y tremendamente divertido. Finalmente está Raúl Cimas, que seguramente a los seguidores de Muchachada Nui les encantará y seguro que el muchacho tiene su gracia, pero aquí me parece que está completamente fuera de lugar, errado en la construcción del personaje, nada creíble como ese Rambo improvisado y para colmo no me hizo reír (ni siquiera sonreír) en sus innumerables intentos por resultar tronchante.
Aunque a grandes rasgos me pareció una cinta simpática, no le llega a la suela de los zapatos (ya sé que las películas no tienen zapatos, pero es una forma de hablar) a la ópera prima de su director. Me esperaba mucho más y la decepción ha sido importante. Es demasiado larga a pesar de los 90 minutos de su metraje. ¡Se me hizo eterna! Creo que el material no daba para mucho más que un cortometraje.
Una película raruna, confusa, confundida, repetitiva...
VALORACIÓN:

LUCES ROJAS

Desmontando a Anne Germain.

Hay mucha gente desesperada por creer y mucho interesado en enriquecerse valiéndose de las necesidades de estos desdichados. Siempre me he preguntado porqué alguien dotado de poderes paranormales trata de forrarse a costa de dicho don... y la conclusión a la que llego es que quien realmente percibe cosas no se aprovecha de las personas. Ni creo ni dejo de creer, pero cuando veo a gente haciendo espectáculo con las desgracias y miserias ajenas se me remueven las tripas.
Rodrigo Cortés debe de estar de acuerdo conmigo (más o menos) según lo que cuenta en su nueva película, LUCES ROJAS, donde trata de desenmascarar a esos charlatanes estafadores sin dejar claro si cree o no.
Tras el notable éxito de BURIED, película protagonizada por un acertado Ryan Reynolds, Cortés deja el minimalismo para crear un espectáculo visual tan inquietante como dramático. Para ello vuelve a contar con estrellas de Hollywood que además poseen talento y de las que saca lo mejor. En especial destaca una entonada Sigourney Weaver que representa la parte más incrédula de la historia al interpretar a la doctora Margaret Matheson que se dedica a estudiar fenomenos paranormales con la intención de desmantelarlos y demostrar que no son más que falacias. Su ayudante, el físico Tom Buckley (Cillian Murphy) siente una especial obsesión por el mentalista Simon Silver (Robert De Niro), uno de los hombres supuestamente más poderosos, hasta el punto de centrar sus investigaciones en averiguar si este no es más que un farsante o si realmente posee un don.
Como no quiero llenar la reseña de "spoilers" no cuento nada más y emplazo a todo el mundo a ver la película como simple espectador de cine fantástico para disfrutar de una cinta muy interesante que goza de momentos lynchianos (el encuentro entre Buckley y Silver en una habitación con cortinas rojas, tan escalofriante y turbadora como la de TWIN PEAKS: FUEGO CAMINA CONMIGO). No puedo dejar de destacar la presencia de Leonardo Sbaraglia (protagonista de la ópera prima de Cortés, CONCURSANTE) interpretando a un curandero al que desmontan el chiringuito ante cientos de devotos que abarrotan un teatro con la esperanza de que este les sane desde una minusvalía hasta un cáncer. Sin duda el mejor momento de la película.
Aunque no es una película extraordinaria y en ocasiones resulta un tanto pretenciosa, debo reconocer que es un thriller resultón, con una buena factura técnica y artística (atención a la música del siempre eficiente Víctor Reyes, a la fotografía de Xavi Giménez y a la cuidada ambientación) que representa un paso adelante en la carrera del director español.
VALORACIÓN:

REC3 GÉNESIS

¿Precuela? "Simultanecuela", diría yo...
Paco Plaza y Jaume Balagueró formaron un tándem casi perfecto cuando en el año 2007 codirigieron REC, magnífica cinta de terror que nos dejó a todos pegados a la butaca e incluso encogidos en ella. Dos años después volvieron a colaborar en REC2, secuela de igual éxito, que daba un giro a la saga añadiendo la trama de las posesiones demoníacas. Para las dos últimas partes de la serie han decidido separar sus caminos de modo que Balagueró, previsiblemente, estrenará el cierre de dicha saga en el 2013, mientras que Plaza se ha encargado de esta tercera parte de reciente estreno.
REC3 GÉNESIS se ha publicitado como una especie de precuela de los actos acontecidos en las anteriores partes. Que nadie se lleve a engaño, no vamos a descubrir los orígenes de la niña Medeiros ni nada por el estilo. Realmente nos encontramos con una película que transcurre simultáneamente a las aventuras de la reportera Ángela (Manuela Velasco) en la finca del Eixample barcelonés infestada de zombis.
Leticia Dolera es Clara, una joven que se viste de blanco para contraer matrimonio con el amor de su vida, Koldo (Diego Martín). El primo del novio (el "Polsera Vermella" Àlex Monner) y Atún (curioso nombre que mi madre usa para denominar a ciertos hombres con exceso de peso), el típico cineasta frustrado que graba videos en bodas, bautizos y comuniones, se encargarán de mostrar a través de sus cámaras la matanza que se avecina. Resulta curioso a la par que gracioso que el director haya escogido el supuesto día más feliz de una pareja para convertirlo en su peor pesadilla. Uno de los invitados al convite tiene una sospechosa herida en la mano, según él mismo provocada por un perro muerto (punto de enlace con REC), que le convierte en el desencadenante de la más divertida y menos terrorífica infección vista hasta el momento en la saga.
Dolera es la heroína de la función (en ciertos momentos una especie de la Ripley de ALIEN, EL OCTAVO PASAJERO) y el resultado es más que positivo. A pesar de lo delgadita y menuda que parece se convierte en una tipa dura con sierra mecánica en mano dispuesta a cargarse a todos los invitados de su boda. ¡Qué bien está creciendo esta chica como actriz!
Como ya he comentado en ocasiones anteriores me chirría que una película empiece siendo narrada con cámara subjetiva (al hombro o a pulso de toda la vida) para pasar de repente y sin previo aviso a una filmación más tradicional y con un punto de vista objetivo. En esta ocasión, teniendo en cuenta que me costó asumir el cambio tras el primer tercio de la peli, agradezco a Plaza una filmación más clásica y cinematográfica.
El resultado es una película simpática, con personalidad propia, a ratos espeluznante, a ratos muy cachonda y que funciona bien por sí sola, pero que decepciona como parte de un conjunto.
VALORACIÓN:

DE TU VENTANA A LA MÍA

Mujeres rotas.

Directores de cine hay a mansalva, pero mujeres que lleven la batuta de una película ya son más difíciles de encontrar, sobre todo en España. Por eso es una gozada descubrir a nuevas directoras con tantas cosas que decir y con una manera tan bella de decirlas. Paula Ortiz ha creado un tríptico cinematográfico, para su debut en el largometraje, que protagonizan tres mujeres de tres edades, en tres zonas de Aragón en tres épocas distintas. Todas ellas tienen un denominador común, el fracaso en el amor. Tres actrices en estado de gracia son el alma de DE TU VENTANA A LA MÍA. Leticia Dolera es Violeta, una joven que vive en los años 20 en una zona fronteriza con Francia. Un lugar que parece sacado de un cuadro de Fragonard con frondosos paisajes bañados de verdes y violetas, donde pasa las horas del día en su columpio o recogiendo hermosas flores para decorar su pelo mientras añora a su amor en el exilio. Maribel Verdú es Inés, una mujer que habita una zona agreste de tonos ocres y amarillos en los años 40. Trabaja en un campo dorado donde recolecta el trigo bajo el intenso sol, el potente viento y el recuerdo de los besos y de las caricias que le propiciaba su añorado Paco, recluido en una celda por los grises. Gris es también el mundo de Luisa, interpretada por Luisa Gavasa, una ciudad desolada, marchita y revuelta por el fin de la dictadura. Estamos en 1975 y Luisa, en el otoño de su vida, se lamenta por no haber tenido un amor de película.
Las tres intérpretes están extraordinarias pero debo destacar la madurez de Maribel Verdú (nominada al Goya a la mejor interpretación femenina de reparto) y lo bien que está cuando está bien, como es el caso. Pero la que más me sorprendió por su buen hacer es la ahora de moda Leticia Dolera. Dolera crea una Violeta intensa y dramática que se queda en la memoria y en el corazón. Llora de maravilla en la impactante escena del corte de cabello.
Ortiz teje los fotogramas de la cinta orquestando un montaje muy cuidado. Un simple ovillo de lana puede unir el mundo de Inés con el de Violeta o una frase el de esta con el de Luisa. La directora adorna las secuencias con una música sutil, compuesta por Avshalom Caspi, y tan hermosa como las imágenes que acompaña. Aunque sobre todo destacan dos de las canciones de la película. La primera de ellas se titula "Debajo del limón" y estuvo nominada a los Goya de este año a mejor canción original. La segunda es la clásica "Yo vengo a ofrecer mi corazón" de Fito Paez, que popularizó la gran Mercedes Sosa, y que en esta ocasión podemos oír en la particular voz de Carmen París.
En ciertas ocasiones se echa de menos una mayor profundización en las historias pero en general y para ser una ópera prima es una película notable. Me alegra que esté funcionando bien en circuitos de presencia limitada o más independiente y deseo que el boca a boca le dé la fuerza que necesita para convertirse en el sleeper español de la temporada.
VALORACIÓN:

ARRUGAS

La animación española alza el vuelo.

Recientemente nos hemos sorprendido al encontrar en nuestras carteleras títulos de animación con factura española que han dado un salto de gigante en cuanto a calidad se refiere. Y para más sorpresa estos títulos han ido dirigidos a un público adulto, lo cual puede ser un suicidio comercial. Por mucho que Pixar y Dreamworks hayan hecho por la animación menos infantil, como los recientes casos de UP o COMO ENTRENAR A TU DRAGÓN, la mayoría de la gente cree que los dibujos animados son para niños. Ojalá eso cambie y poco a poco toda clase de público se atreva a disfrutar de la maravilla que resulta la animación cuando está bien hecha. Primero fueron Fernando Trueba y Javier Mariscal los que estrenaron la fenomenal CHICO & RITA (recientemente nominada a los OSCAR como mejor película de animación) y ahora le llega el turno a ARRUGAS (ganadora de dos GOYA, mejor guión adaptado y mejor película de animación), adaptación de la multipremiada novela gráfica de Paco Roca, que él mismo se ha encargado de convertir en guión cinematográfico junto a la colaboración de Ángel de la Cruz, Rosanna Cecchini y el propio director Ignacio Fererras. El director debutante se apodera de la emotiva historia de Roca haciéndola suya. Logra dotarla de la misma melancolía y del mismo tono positivo que ya tenía el cómic enriqueciéndola con un tono de suspense. La versión en papel se caracteriza por una frescura y por un ritmo narrativo ágil que se echa en falta en la traslación al cine. Quizás eso es lo peor de la película, esas pausas tan largas te hacen desconectar de la emotiva historia de Emilio, un anciano enfermo de Alzheimer al que su familia interna en un hospital geriátrico. En un principio Emilio se siente abandonado y desubicado pero, gracias a su compañero de habitación Miguel, descubrirá que vivir lo que le queda de vida puede ser una pequeña gran aventura. El hecho de que Ferreras haya cambiado la nacionalidad de Miguel (en la película es argentino) dota al personaje de más carisma y gracia que el original dando como resultado un personaje chistoso y con chispa.
Sabiendo las limitaciones económicas con las que cuenta la animación en España hay que aplaudir el resultado final de esta cinta que, aunque en ocasiones flojea técnicamente, logra disimular esas carencias con buenos efectos sonoros, con una música afín a lo que se cuenta y con una fotografía e iluminación sobresalientes.
VALORACIÓN:

PROMOCIÓN FANTASMA

En ocasiones veo fantasmas adolescentes.
Eso es lo que le ocurre a Modesto (Raúl Arévalo), profesor en paro que ve muertos y se deja el dinero en un psiquiatra (Joaquín Reyes) más desequilibrado que él. Su suerte cambia cuando Tina (Alexandra Jiménez), directora de un instituto caído en desgracia por culpa de los fantasmas de unos alumnos fallecidos veinte años atrás en la biblioteca, le ofrece trabajo. Su nueva labor consistirá en dar clases a los fantasmas y conseguir que se gradúen para que solucionen su asignatura pendiente en el mundo de los vivos y puedan irse al más allá.
PROMOCIÓN FANTASMA, segundo largometraje de Nacho Ruiz Calderas, da lo que promete: diversión, entretenimiento y un gran trabajo de sus protagonistas. Y no hay que pedirle nada más.
A los efectos especiales o se les ve el truco (esas excesivas vomitonas de colores y a chorros que salen de un tubo de la boca de Javier Bódalo) o parecen hechas por el quipo de Art Attack (esas terribles grapadoras volando y ese esqueleto movido por hilos) pero cuando entras en la historia y te dejas atrapar por los chistes y la gracia de los intérpretes, los FX son lo de menos.
Resulta gracioso ver como el cine español americaniza las películas de y, principalmente, para adolescentes con la esperanza de que más gente se sienta atraída a verla. En esta ocasión pienso que ha sido un acierto y que definir tan claro los roles de cada uno de los fantasmas (la empollona, el gamberro, el gracioso, el capitán del equipo de futbol, la chica guapa y popular) facilita la labor del actor que lo interpreta y la del espectador, que ya sabe a qué atenerse con cada uno de ellos. Así los personajes más complejos, carismáticos y originales son los que recaen sobre dos secundarios de partirse la caja, Carlos Areces y Silvia Abril, con los que ya contó Ruiz Calderas en su ópera prima, SPANISH MOVIE. El primero hace de Otegui, padre de una alumna del colegio y presidente del AMPA, que no hace más que complicar la vida de la directora del centro. Es desternillante su discurso sobre el escenario del teatro que remata, muy falto de pudor, con un ¿calvo? con sorpresa. La segunda es Manuela, una secretaria mística y ligeramente chalada que intenta comunicarse con los muertos a través de ritos extraños. Pero los que más sorprenden son la pareja protagonista, Arévalo + Jiménez, que demuestran una química magnífica dotando de ternura y chispa a sus personajes. Hacen muy buena pareja.
Los guionistas y el director han declarado su intención de homenajear las películas de instituto de los 80 de John Hughes así que nadie se lleve a engaño, no es una copia de clásicos de nuestra infancia/adolescencia. Es una cinta original, amable, simpática, tronchante, de consumo fácil pero que resultará floja y sentimentaloide al público más salvaje o excesiva y ordinadia a los más remilgados. Pues sí, tiene un poco de todo eso, pero no decepciona.
VALORACIÓN:

KATMANDÚ, UN ESPEJO EN EL CIELO

Yo tampoco sé dónde está mi lugar...

Si hay algo que debo reconocerle a Icíar Bollaín es que es de las pocas directoras (y directores) españolas que se atreven a hacer cine social yendo contra la industria cinematográfica y contra la comercialidad más facilona y pese a todo salir airosa.
KATMANDÚ, UN ESPEJO EN EL CIELO sigue la línea trazada en su anterior película, TAMBIÉN LA LLUVIA, de denuncia de temas universales como el derecho a algo tan esencial y vital como el agua, en la cinta de 2010 protagonizada por Luis Tosar y Gael García Bernal o el de una educación justa y accesible para todos, que ahora plantea.
Basándose en la vida de la profesora y pedagoga catalana Victòria Subirana, también conocida como Vicki Sherpa, Bollaín se traslada a Nepal para contar una historia que podría suceder en cualquier otro país del mundo e incluso en el nuestro si retrocediéramos unas cuantas décadas. Y hay que admitir que la directora madrileña no lo hace nada mal. A lo largo de su carrera como directora ha demostrado su valía a la hora de dirigir actores (recordemos al estupendo elenco de TE DOY MIS OJOS) y de contar situaciones más o menos cotidianas tanto cómicas como dramáticas.
Laia, una brillante y cada vez más versátil Verónica Echegui (flamante ganadora del "Premi Gaudí" a la mejor actriz protagonista), viaja a Katmandú para trabajar en una escuela. Allí descubre una pobreza extrema y un sistema educativo lamentable que excluye a las clases más bajas de la sociedad así que decide luchar contra el sistema para que todos los niños y niñas puedan optar a una formación y por lo tanto a una opción de salir adelante.
El personaje y la persona que hay detrás deberían sevirnos de inspiración para luchar e intentar conseguir nuestros sueños a pesar de las dificultades y trabas que hallemos en el camino. Si hay alguien que las pasa canutas es Laia/Vicki, que debe enfrentarse a sobornos y amenazas de ser expulsada del país, a causa de lo cual decide contraer un matrimonio de conveniencia para conseguir legalizar su estancia en Nepal donde ha descubierto que está su lugar.
Debo reprender la condescendencia con la que Bollaín trata en ocasiones al espectador, pues quiere explicar en exceso situaciones que hablan por sí mismas y no necesitan reiteraciones (¡con mostrarlas una vez era más que suficiente!). Por ejemplo, los momentos de desesperación de la protagonista, que acaban resultando ligeramente cansinos, el rechazo de la familia de Sharmila (la amiga nepalí de Laia) a que esta trabaje en el barrio más marginal de la ciudad o enseñar, a mi entender de manera gratuita, la defecación plagada de enormes gusanos de uno de los niños de la escuela, para demostrar las pésimas condiciones en las que viven los habitantes de tal barrio (¡si está más que claro!).

...ni cuál es mi espejo en el cielo.
VALORACIÓN:

MI QUERIDA SEÑORITA

Cuando José Luis López Vázquez se llamó Adela.

Realizar en la España de 1971 una película con temática LGBT (Lesbiana, Gay, Bisexual, Transexual) no era lo más cómodo ni lo más habitual. Jaime de Armiñán fue el aventurado director que tuvo el enorme valor de contar la historia de Adela Castro (López Vázquez), una mujer solterona y feucha que vive en una pequeña ciudad de provincias con la única compañía de Isabelita (Julieta Serrano), su sirvienta, por la que se siente extrañamente atraída. Cuando vuelve a la ciudad Santiago (Antonio Ferrandis "Chanquete"), un antiguo amor de juventud que le pide matrimonio a Adela, esta empieza a sacar a la luz sus dudas sobre su tendencia sexual con su confesor (Enrique Ávila). Tras descubrir que nació niño y fue criado como mujer Adela, rebautizado como Juan, se traslada a Madrid donde intenta vivir como un hombre con la ayuda de Feli (Mónica Randall), una prostituta que se convertirá en su amiga y confidente.
Jaime de Armiñán cuenta en clave de drama con ligeros toques cómicos, que lejos de banalizar ahondan en la tragedia que vive su protagonista, una historia valiente, sana y moderna que aunque no pretende aleccionar a nadie da una lección, valga la redundancia, de buen cine y lo más importante de respeto y tolerancia.
MI QUERIDA SEÑORITA fue una película muy polémica que gracias a la sutileza de sus guionistas (el propio de Armiñán y José Luis Borau) pasó los cortes de la censura de la época y colmó de premios y reconocimientos a su protagonista, el excelente y para nada caricaturesco José Luis López Vázquez. El resto del reparto está a la altura de López Vázquez, en especial una jovencísima Julieta Serrano que aporta a su "chacha" la candidez y la inocencia (o quizás no tanta...) que el personaje requiere.
Hay que recordar que la cinta estuvo entre las finalistas al Oscar a la mejor película de habla no inglesa en la ceremonia de 1972 donde fue premiada EL DISCRETO ENCANTO DE LA BURGUESÍA de Luis Buñuel, que se presentaba por Francia.
VALORACIÓN:

EL BOLA

¿¡Quién quiere "pegar" a un niño?!

El año 2000 fue el de la transformación del Achero Mañas actor (bastante normalito) al Achero Mañas director (bastante elogiable). Este madrileño trató con enorme sensibilidad un tema tan peliagudo como el maltrato infantil. El Bola es un niño de doce años que vive en un barrio obrero de Madrid (ciudad sustituible por cualquier otra) llevando, aparentemente, una vida normal. Va al colegio, juega en el parque con sus compañeros y hace gamberradas sin medir el peligro y el daño que puede causar (cosas de la edad), pero también ha de compartir su vida con un padre agresivo que descarga su furia y rabia contra él, una madre cansada de lidiar con la casa y con la abuela impedida y el recuerdo de un hermano muerto. Por todo esto le es muy complicado relacionarse y comunicarse con otros chicos. Cuando llega al colegio un chaval nuevo, Alfredo, conoce la amistad y una realidad familiar diametralmente opuesta a la suya, que le da coraje para asumir lo que le ocurre y enfrentarse a ello.
Película tristemente costumbrista que trata con respeto a todos sus personajes sin sancionarlos ni indultarlos, simplemente narrando una realidad que por desgracia traspasa las pantallas y se da más de lo que nos gustaría. Todos los personajes tienen motivos (aunque no los entendamos ni compartamos) para hacer lo que hacen. Mañas no ha querido demonizar a nadie aunque es inevitable que, como espectadores, sintamos rabia, odio e impotencia hacia ese padre tan cobarde (por no llamarlo "hijo de ****") que tapa su desconsuelo propinando improperios, daños físicos y castigos psicológicos al más débil e indefenso: su hijo.
El reparto infantil/juvenil está muy logrado (sé por experiencia propia que Achero se implica en la busqueda de actores y en el proceso de casting), destacando el descubrimiento de Juan José Ballesta, el cual fue premiado con el Goya al Mejor Actor Revelación. No quiero dejar de mencionar al benjamín de la función, Omar Muñoz, que desprende naturalidad y una sorprendente (en alguien tan pequeño) profesionalidad. Les deseo a los dos muchos más éxitos, que me consta que los tienen.
No hay que desmerecer la labor de los adultos, para muchos de ellos su primer papel importante en cine, con Manuel Morón (profesor mío de interpretación) y Alberto Jiménez (mi compañero de clase de clown) a la cabeza, interpretando al padre del protagonista y al de su amigo respectivamente.
Nos encontramos ante una opera prima sensible (no sensiblera) que merece ser revisionada cada cierto tiempo pues da una lección de cine y, lo que es más importante, una lección de vida.
VALORACIÓN:

5 METROS CUADRADOS

Y sigue la mala host**!!!

Parece que con la crisis la gente está más sensibilizada con temas sociales relacionados con la economía así como con la manipulación y la estafa que los que están en la cima de la cadena alimenticia (los ricos y poderosos) ejercen sobre los que estamos en la base de dicha cadena (el populacho).
Max Lemcke, director de 5 Metros Cuadrados, se siente en la obligación moral de criticar una situación vergonzosa que se viene desarrollando en nuestro país desde tiempos inmemoriales: La estafa inmobiliaria.
Lemcke brinda a Fernando Tejero y Malena Alterio, actores esencialmente reconocidos en su faceta cómica, los roles protagonistas de este drama que viene a reflejar una terrible realidad, en la que por desgracia todos hemos estado o podemos estar. Álex (Tejero) y Virginia (Alterio) son una pareja normal de treintañeros con trabajos normales y sueldos normales (o sea mileuristas, y qué triste me parece asumir eso como normal) que deciden comprar un piso en las afueras de su ciudad, en una futura urbanización residencial con espectaculares vistas al mar. A pocos meses de la boda y de la entrega de la vivienda, el departamento de Medio Ambiente del ayuntamiento paraliza las obras y precinta la zona, pues el constructor (un estupendo Emilio Gutiérrez Caba), tras su correspondiente soborno a un concejal del ayuntamiento (Manuel Morón en un papel en la línea de la serie de Canal +, Crematorio, de la cual esta película bebe sin disimulo), está edificando en una zona protegida. Desesperados ante la negativa de la constructora de devolverles la entrada (todos sus ahorros más lo prestado por los padres de ella) o de entregarles una vivienda de similares condiciones, forman una plataforma de protesta para luchar contra la injusticia.
La película está interpretada con solvencia por todos los actores, que saben dotar a sus personajes del dramatismo requerido y aportan pequeños toques cómicos para humanizarlos y acercarlos al espectador. Quiero destacar a Jorge Bosch, al cual no recuerdo haber visto en cine, que me sorprendió por su versatilidad.
He de reconocer que la película no es una obra maestra y que en algunos momentos resulta un tanto populista, pero se nota que está hecha con profesionalidad, seriedad, emoción, humanidad y, como he comentado anteriormente, enjuiciando y censurando actitudes déspotas e injustas.
Es una obra coherente en casi su totalidad, aunque hay que reprobar a su director, guionistas y actores que no sepan resolver el clímax final que, no es por ser puntilloso, roza lo ridículo e inverosímil.
VALORACIÓN:

LA LOLA SE VA A LOS PUERTOS

Rocío Jurado en concierto.
Josefina Molina, una de las más célebres directoras de cine de nuestro país gracias a títulos como Esquilache o la serie de televisión Teresa de Jesús, realizó esta película para lucimiento de la que fue conocida como "La Más Grande", Rocío Jurado.
La Lola se va a los Puertos es una obra de teatro original de Manuel y Antonio Machado del año 1929 que ya conoció una versión cinematográfica de mano de Juan de Orduña (1947) y que estuvo protagonizada por Juanita Reina ("La Reina de la Copla").
Año 1860, Lola (Jurado) es una cantaora andaluza de gran talento que con su voz y su fuerza enamora a cuantos hombres conoce. Don Diego (Paco Rabal), hacendado de gran poder, está encaprichado de ella y decide contratarla para que cante en su cortijo durante la fiesta de pedida de mano de José Luis (Jesús Cisneros), su hijo, y Rosario (Beatriz Santana). Lola y su guitarrista, Heredia (José Sancho), se desplazan a la finca a sabiendas que Don Diego pretende casarse con Lola y separar a la pareja profesional, pero allí, la cantaora se enamora de José Luis, con el cual vive un amor ilícito.
Este drama con reminiscencias lorquianas es una retahíla de canciones (en los primeros 30 minutos prácticamente solo se ve y se oye a la Jurado entonando coplas) entre las que se van insertando escenas de amor y desamor.
Película mediocre, sin interés dramático, mal iluminada y peor montada que al menos cuenta con un buen sonido para gozar de la potente voz de la chipionera.
Nada que objetar al trabajo de Rabal, que para variar está inmenso (era uno de esos actores que siempre estaba bien independientemente de la calidad del guión y del producto final, como aquí). José Sancho se defiende como puede, aunque en algunos momentos se nota demasiado que no le gusta la película en la que está trabajando. Por increíble que pueda parecer, Rocío Jurado no es la peor actriz del reparto. Ese mérito se lo llevan Santana y Cisneros, de los que me atrevo a decir que son dos de los peores actores que han existido jamás. Ella es de esa escuela, de la que años después salieron Elsa Pataky o Amaia Salamanca, entre otras, que todo lo que tienen de guapas lo tienen de frías e inexpresivas. Él, más de lo mismo, soso, plano, blando y del que destaco su desnudo integral (¡ahí queda eso!). La dicción, en ambos casos, brilla por su ausencia y el acento andaluz va y viene según sopla el viento. La pregunta que yo me hago es: si estas son las escenas que la directora y el montador dieron por buenas, ¿cómo serán las descartadas?
Una pena que Josefina Molina no siguiera haciendo productos de calidad y tenga en su currículo lacras como esta, a pesar de la cual se merece el Goya de Honor 2012.
VALORACIÓN:

EVA

Inteligencia Artificial.

Eva es una bocanada de aire fresco en el panorama cinematográfico actual, que demuestra que para hacer buen cine de género no son necesarios montones de dinero, de ruido, de estrellas de Hollywood, sino que con talento, ganas e ilusión se pueden conseguir perlas como la ópera prima de Kike Maillo. Ésta película futurista (aunque no muestra un futuro lejano, sino uno a la vuelta de la esquina y bastante reconocible) mezcla con gracia el drama humano de unos personajes con la fantasía de un mundo cohabitado por robots casi humanos. Daniel Brühl encarna a Alex (el protagonista de la función), un experto en inteligencia artificial al que le encargan terminar un proyecto muy especial, la creación del primer robot libre. Para ello vuelve a su ciudad natal, donde se reencuentra con su hermano y su cuñada/ex novia y donde conocerá a su sobrina, la Eva del título. Entre Alex y Eva se crea un vínculo muy especial, así que él decide usarla como modelo para la creación de su robot.
La película cuenta con un reparto estupendo con el mencionado Brühl, Marta Etura y Alberto Amman a la cabeza pero los que realmente destacan son la niña Claudia Vega por su naturalidad y Lluís Homar haciendo de un robótico mayordomo. Y no puedo dejar de mencionar al gato del protagonista, un acierto técnico más de la peli.
Una película de contrastes, blanca y gélida en cuanto al envoltorio (los paisajes nevados son preciosos), pero llena de calor en el interior. Sus personajes, humanos o androides, cuentan un drama humano al nivel de la ya clásica A.I. Inteligencia Artificial de Spielberg.
 VALORACIÓN:

MIENTRAS DUERMES

¿Quién teme al portero feroz?

La última película de Jaume Balagueró, estrenada en el marco del "44 Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya", es un cuento urbano de terror contado en clave de thriller. Mientras Duermes nos sitúa en el punto de vista del villano de la función, provocando empatía e incluso una enferma simpatía por el psicópata interpretado por un entregadísimo Luis Tosar. Él es César, el portero de un edificio de una gran ciudad, que dedica todas las horas que puede a espiar a los vecinos de la finca. De entre todos ellos tiene una obsesiva fijación por Clara (Marta Etura, la pareja en la vida real del actor), una chica guapa y feliz que le saca de quicio con su sonrisa. César es infeliz y lo único que alivia ese dolor es ver sufrir a los demás, así que pone todo su empeño en borrar la sonrisa de la chica y hacerla tan desgraciada como él se siente. Balagueró y su equipo consiguen diferenciar claramente los mundos de los protagonistas dotando de luz y espacios abiertos el mundo de Clara y de oscuridad y clandestinidad el de César.
La película se sustenta principalmente en la construcción del protagonista, uno de los villanos más carismáticos del cine español, que es malo porque sí. No tiene coartada ni justificación y representa esa parte cruel que todos tenemos dentro llevada al extremo. También muy loables son las interpretaciones de la niña Iris Almeida, en la piel de Úrsula, personaje tan maligno y retorcido como el de Tosar, y de Petra Jiménez (conmovedora) como la vecina anciana y cariñosa.
Sin duda la película más redonda del director que cuenta con un final impactante y, por qué no decirlo, doloroso y cruel.
VALORACIÓN:

NO HABRÁ PAZ PARA LOS MALVADOS

Urbizu + Coronado = Buen Tándem Cinematográfico.
Enrique Urbizu se caracteriza por dejar pasar largos periodos de tiempo entre sus películas, de manera que cuando llegan se despierta cierta expectativa entre el público. De su filmografía destacan sobre todo los thrillers (género en el que parece sentirse cómodo) La Caja 507, Todo Por La Pasta y la que ahora nos ocupa, No Habrá Paz Para Los Malvados.
Esta última cuenta como el inspector de policía Santos Trinidad (un Jose Coronado muy entregado) comete un triple asesinato tras una noche de borrachera, como tantas otras, dejando por error un testigo libre. A partir de entonces empieza una cruzada para eliminar a quien podría incriminarle, llevándose por delante a todo aquel que se entromete en su camino y saltándose, evidentemente, la ley a la torera. Paralelamente, la juez Chacón (interpretada por Helena Miquel "Las Flores Azules") inicia la investigación de los tres asesinatos para dar con el criminal.
Una película con un ritmo muy pausado, con muchas secuencias de Coronado andando, conduciendo, bebiendo, espiando, matando a bocajarro y con pocos diálogos, aunque justos y necesarios para desvelar el argumento (quizás prescindible la conversación de la juez con su hijo, que no aporta nada a la trama). La película mejor rodada por el director hasta la fecha, aunque no la mejor en su conjunto, cuenta con unas posiciones de cámara muy originales que la dotan de algo de ritmo (que falta le hace). La fotografía y ambientación son tan decadentes y sucias como el protagonista y la música, que pasa casi desapercibida, acompaña a la acción de manera correcta y eficaz. Lo más destacable es la interpretación de Jose Coronado que a medida que madura gana matices, fuerza en la mirada y en los gestos y profundidad en la voz.
VALORACIÓN:

LA CARA OCULTA

A través del espejo.
Un joven director de orquesta se traslada con su novia de Barcelona a Bogotá para dirigir la Orquesta Filarmónica. Allí se alojan en una inmensa casa a las afueras de la capital, donde la chica pasará muchas horas sola dedicada a sus diseños de zapatos, mientras él ensaya con los músicos. Con tanto tiempo para sí misma, Belén, que así se llama la muchacha, empieza a pensar demasiado y sospecha que Adrián, que así se llama el muchacho, le es infiel con una compañera de la orquesta, así que decide ponerle a prueba. En un momento determinado (que no voy a comentar para no "spoilear" nada), Belén desaparece misteriosamente. Una pareja de policías sospecha que Adrián tiene algo que ver con la desaparición y lo empiezan a investigar. Ahí entra una nueva mujer en la vida del músico, Fabiana, que le ayudará a olvidar a su novia, mientras que ella se va obsesionando cada vez más con Belén.
La Cara Oculta es un thriller psicológico que supone la tercera película de Andrés Baiz como director. Protagonizada por los españoles Quim Gutiérrez y Clara Lago, y la colombiana Martina García en unas interpretaciones bastante creíbles (aunque me costaba mucho ver a Quim como director de orquesta, tanto por su juventud, como por su interpretación en esos momentos).
Es una película ocurrente, muy entretenida, con un ritmo que no decae y con una trama llena de sorpresas. Aunque no pasará a los anales de la historia como los suspenses de Hitchcock (por más que algunos críticos se atrevan a hacer comparaciones), se deja ver una primera vez. Claro que una vez descubiertos los trucos y los giros de guión, ¿aguantará una revisión?. Creo que no.
VALORACIÓN:

LA PIEL QUE HABITO

The Skin I Live In-La Piel Que Habito.

La esperadísima nueva película de Pedro Almodóvar sorprende por su mezcla de géneros (del thriller al drama más sobrecogedor, con toques de comédia almodovariana y de terror).Pero sobretodo vemos el maduro trabajo de un realizador que ha crecido haciendo cine y ha pasado de la espontaneidad de sus primeros trabajos (Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón, Laberinto de pasiones), al perfecto planteamiento de escenas que La piel que habito nos regala. Todo está estudiado en esta película, el inicio y el fin de cada una de sus secuencias, el tono en que hablan sus personajes y como no se sorprenden ante situaciones que el espectador (yo) mira con la boca abierta de lo inverosímiles e improbables, aunque eso sí, fascinantes.
Elena Anaya sobresale por encima de todos los actores, "habitando" el personaje de Vera, una mujer preciosa y atormentada por la vida que le ¿da? Antonio Banderas, el cual vuelve a ser secuestrador (Átame!), aunque en esta ocasión mostrando su lado más perverso y maquiavélico.
Alberto Iglesias vuelve a acompañar las imágenes de Almodóvar, como nadie antes ha sabido hacer, con una partitura bella y misteriosa.
VALORACIÓN:

ÁTAME!

"¿Cómo te puedes enamorar de un hombre que te secuestra y te ata a la pata de la cama?"
Pues llamándote Victoria Abril y siendo la protagonista de Átame!, película escrita y dirigida por Pedro Almodóvar en 1990.
La última colaboración entre el director manchego y Antonio Banderas, antes de dar el salto definitivo a Hollywood, deja en el recuerdo excelentes secuencias como el baño "relajante" que toma la protagonista acompañada de un travieso submarinista que se adentra en húmedos recovecos o esa maratoniana escena de sexo entre Ricky (Banderas) y Marina (Abril).
Y no sólo de escenas de sexo vive este film romántico (no podemos negar que esconde una de las historias de amor más pasionales y románticas del cine), también de actores secundarios de la altura de Paco Rabal (en su sillita eléctrica) o Loles León que lo mismo canta, que baila, que emociona o hace reir.
Átame! obtuvo la friolera de 15 nominaciones a los premios GOYA aunque finalmente no se llevó ninguna estatuilla. Otra de las grandes injusticias de la academia con el mejor director que ha dado la cinematografía española.
No pasan los años por ella, y como cada agosto la revisiono y la disfruto como si fuera la primera vez.

VALORACIÓN: