MILLENNIUM: LOS HOMBRES QUE NO AMABAN A LAS MUJERES

Caperucita Lisbeth contra los Hombres Feroces.
Reconozco que soy uno de esos especímenes que ha llegado virgen del universo Millennium a esta readaptación del best seller de Stieg Larsson. Ni he leído los libros ni he visto los telefilms suecos posteriormente retocados para su estreno en salas cinematográficas. De hecho, no me atraían demasiado las aventuras y desventuras de la señorita Salander hasta que David Fincher se interesó en adaptar la primera novela al cine.
Una vez vista MILLENNIUM: LOS HOMBRES QUE NO AMABAN A LAS MUJERES, me declaro fan del personaje de Lisbeth Salander y la formidable interpretación de Rooney Mara (actriz que ya está dando que hablar y ¡lo que le queda por delante!). Ella es la estrella indiscutible de la película aunque no hay que desmerecer los trabajos de Daniel Craig, Christopher Plummer, Stellan Skarsgård, Robin Wright ni del resto del reparto que, a pesar de ser menos conocidos entre nosotros, brillan como mínimo como los demás.
El periodista Mikael Blomkvist (Craig) se traslada a una isla del norte de Suecia huyendo de un escándalo de difamación que pesa sobre él, con la excusa de un trabajo de investigación sobre la muerte-desaparición, cuarenta años atrás y en extrañas circunstancias, de la sobrina de Vander (Plummer), un adinerado magnate. La hacker y "outsider" Lisbeth Salander (Mara) será su mayor aliada.
David Fincher, director del que ya he declarado en otras ocasiones mi casi eterna devoción, no ha querido alejarse de tierras suecas (donde originalmente transcurre la novela) para contar su visión de la historia. En mi opinión este es uno de los aciertos de la cinta, ya que los helados y oscuros paisajes, tan bien fotografiados por Jeff Cronenweth, aportan al relato un aura de inquietud y misterio más que adecuados para este thriller.
La primera parte de la película es un poco lenta y confusa, quizás debido a la abundancia de personajes o a que Fincher quiere contar demasiadas cosas y no le da tiempo a profundizar en todas. Me costó entender lo que le ocurre al personaje de Craig en la revista Millennium donde trabaja, el tipo de relación que tiene con su editora, el porqué se ve envuelto en un caso de difamación y cómo se va desarrollando esa trama, qué pinta en toda la historia la pirata informática... Pero en el segundo tramo, cuando se juntan los dos protagonistas para investigar el caso en cuestión y Fincher se centra en la relación personal entre estos, nos encontramos con una película muy interesante, muy bien narrada y con situaciones muy bien resueltas (como la investigación en paralelo que lleva a Salander a los archivos de la compañía Vander mientras Blomkvist recorre la isla, o el momento en el que el periodista está atrapado en el sótano del villano de la función) que devienen, desafortunadamente, en un clímax desinflado.
No quiero dejar de destacar los sorprendentes títulos de crédito con una magnífica versión de Led Zeppelin, así como toda la banda sonora, las impactantes secuencias de la protagonista con su desagradable (por no llamar asqueroso, cerdo, cabrón...) tutor legal y el triste epílogo que deja con ganas de saber cómo continuará la historia de Lisbeth y Mikael.
VALORACIÓN:

DRIVE

Conductor solitario busca chica...
Atención: ver el trailer de DRIVE nos puede llevar a engaño ya que parece un thriller de atracos y persecuciones repletas de acción. Nada más lejos de la realidad. Aunque efectivamente es un thriller, yo lo denominaría más correctamente thriller romántico, pausado, reflexivo, bello, amargo, noir y extremadamente violento.
Nicolas Winding Refn, director danés que cuenta en su haber con unas cuantas películas totalmente desconocidas para mí, debuta en el cine estadounidense con esta sorprendente cinta ambientada en una ciudad de Los Ángeles completamente alejada del glamour al que nos tienen acostumbrados, en la que Driver (Ryan Gosling) compagina su trabajo en un taller de coches con el de conductor especialista de cine. Pero además, algunas noches se saca un sobresueldo como chófer para delincuentes facilitándoles la huida del lugar del crimen. La vida de este solitario y melancólico piloto cambia el día en que conoce a su vecina Irene (Carey Mulligan) con la que vivirá una romántica, aunque nada fácil, historia de amor.
A Gosling le va el papel como anillo al dedo y si bien su intrerpretación es muy loable, hay que reprocharle que en ocasiones se acomoda en esa inexpresividad tan enigmática y turbadora que llega a ser repetitiva y cansina. El resto del reparto está a la altura, en especial Albert Brooks como el gángster de la función y Bryan Crangston como el eterno amigo y mentor del protagonista, pero debo reconocer que me quedé con ganas de más Christina Hendricks (la neumática secretaria de la sobresaliente serie MAD MEN).
DRIVE empieza de manera magistral con una de esas nocturnas huidas de Driver y un par de atracadores, en la que el director prefiere centrarse en la manera de ocultarse y escabullirse que tiene el conductor antes que en la persecución en sí. Este arranque muestra la impecable estética ochentera que envuelve todo el metraje y que tan bien le sienta al conjunto.
Refn se apodera de la cámara para deleitar al espectador con planos originales como los contapicados en las conversaciones "plano/contraplano", la abundancia de "travelings" que dan inicio a las secuencias dotando de un movimiento característico a toda la película  y esas espectaculares visiones aéreas de Los Ángeles "la nuit". Todo ello teñido de una iluminación y fotografía de Newton Thomas Sigel (al que ya destaqué por su maestría a la hora de fotografiar LA CONSPIRACIÓN) que ayuda a embellecer aún más cada plano.
Cliff Martínez ha creado para la ocasión una banda sonora ideal para el tono del film que se complementa con una cuidada selección de canciones que permanecen en la memoria auditiva.
No quiero pasar por alto la violencia a la que me refería en el primer párrafo, pues es lo que acaba por darle a la peli la personalidad y la crudeza que la hace única. A destacar especialmente la secuencia del ascensor donde belleza y violencia se dan de la mano y casan como dos piezas de un puzle.

VALORACIÓN:

JANE EYRE

Notable adaptación de la novela de Charlotte Brontë.
Ante una adaptación literaria de tal calibre siempre nacen dudas tipo: ¿será el típico coñazo de época?, ¿valdrá la pena invertir tiempo y dinero en una enésima versión de tal clásico?... En este caso respondo muy rotundamente que no solo vale la pena acercarse al cine a ver JANE EYRE, sino que nos encontraremos ante una obra valiente, arriesgada, clásica y paradójicamente moderna, cargada de talento y buenas interpretaciones.
Reconozco que no conocía la novela barroca del mismo título ni había visto con anterioridad niguna de sus adaptaciones cinematográficas o televisivas, así que llegaba virgen al cine y me encontré con una película que no trata de modernizar el clásico literario con forzados cambios de época, ni con una música desacorde al siglo XIX o un montaje de videojuego, sino que se centra en contar una de las historias de amor más bellas que he visto en pantalla.
Cary Fukunaga, director de la cinta que cuenta en su filmografía con solo una obra previa, SIN NOMBRE, un thriller de producción mexicana, se centra en lo esencial de la novela, la historia de amor entre la joven institutriz JANE EYRE (Mia Wasikowska) y su severo y misterioso amo, Edward Rochester (Michael Fassbender). El resto sirve para acompañar al relato y dar un poco más de profundidad, si cabe, a la historia. El director, usa una potente descripción de personajes tanto a nivel físico como intelectual, que bajo las sutiles y casi perfectas interpretaciones de sus protagonistas llenan la película sin necesidad de aspavientos ni florituras estilísticas. Todo está puesto al servicio de los actores: la música de Dario Marianelli de la que destaca el violín por encima de todos los instrumentos y que cuenta con unas piezas minimalistas bellísimas, la cuidada ambientación, el austero maquillaje-peluquería y sobre todo la elegante fotografía que empapela cada secuencia de tonos acordes a las emociones mostradas.
Pura poesía en una ejemplar adaptación literaria.
VALORACIÓN:

LA DAMA DE HIERRO

Telefilm de alta cuna.
Resulta sorprendente que una realizadora inglesa con antecedentes de cine musical (¡MAMMA MIA!) haya escogido como segunda película un biopic sobre Margaret Thatcher, la primera y, hasta la fecha, única primera ministra del Reino Unido. Durante los once años que duró su (conservadora) administración fue apodada LA DAMA DE HIERRO por su inflexibilidad y dureza a la hora de privatizar empresas públicas, de ignorar y quitar poder a los sindicatos, así como de hacer recortes a diestro y siniestro (¡qué cercano me suena esto ahora mismo!).
Phyllida Lloyd, que así se llama dicha directora, ha escogido el apodo de la gobernante como título para su película, lo cual hace intuir un trato realista y duro. Nada más lejos de la realidad, pues hace un retrato bastante amable de la Thatcher, dejando en segundo término los errores y horrores de su mandato.
Lloyd presenta una cinta biográfica bastante tradicional y nada original mostrando una Thatcher anciana y enferma que mediante flashbacks recuerda tiempos pasados. El guión, obra de Abi Morgan, se divide en tres bloques siendo el primero de ellos el mejor resuelto y a la vez el que más humaniza a la férrea dama, pues nos muestra a una adorable ancianita que en sus últimos días vive prácticamente sola añorando a su difunto esposo y a un hijo exiliado a Sudáfrica (por problemas de cariz Urdangariano que evidentemente Lloyd y Morgan han pasado por alto). El segundo bloque muestra los años de adolescencia de Margaret y sus orígenes humildes que sufren el poco arte interpretativo de Alexandra Roach. Finalmente, el tercer bloque trata la carrera política en sí de la protagonista y a mi entender es el peor resuelto aunque cuenta con momentos elogiables como la primera entrada en el parlamento tras ser investida primera ministra, su llegada al 10 de Downing Street o el episodio de la guerra de las Malvinas. La directora se pasea por muchos episodios sin profundizar en ninguno de ellos, aunque eso sí evita meterse en líos y tiende a posicionarse de parte de la "Facher", perdón quería decir la Thatcher.
MERYL STREEP (no puedo escribir su nombre en minúsculas porque es la mayúscula actriz que jamás ha existido), está más grande que nunca. No interpreta a Margaret Thatcher sino que se transforma en ella. Da una lección magistral de cómo meterse en la piel de un personaje. Debo destacar la STREEP-Thatcher octogenaria pues la actriz consigue andar, gesticular y hablar como una anciana veinte años mayor de lo que ella realmente es. El Oscar es y debe ser suyo.
VLORACIÓN:

THE ARTIST

Oda de amor al cine.

Llegó el momento de empezar a reseñar las películas del 2012, tras el repaso a lo mejor y a lo peor del año pasado. Y como no podía ser de otro modo la primera película elegida es THE ARTIST, la mayor y más grata sorpresa que ha dado el cine reciente.
Esta comedia de producción francesa ha arrasado en todos los países donde se ha estrenado, en cuanto a premios, críticas positivas y respaldo del público, contradiciendo a los grandes estudios de Hollywood que piensan que si un "producto" (para el resto del mundo "película") ha triunfado, hay que repetir la fórmula hasta la saciedad. Pues Michel Hazanavicius, visionario guionista y director, ha demostrado que el público no siempre es como un rebaño de ovejas y que estamos cansados de ver las mismas pautas, en las mismas producciones y con los mismos actores.
Hazanavicius sorprende con una historia entretenida, divertida, tierna y muy dinámica que sin usar una sola palabra, pues THE ARTIST es una cinta muda y encima en blanco y negro, cuenta en clave de comedia el ascenso de una joven actriz, Peppy Miller (Bérénice Bejo), que empieza haciendo de figurante para pasar a ser la primera estrella del cine sonoro, y la paralela caída de una celebridad del cine mudo, George Valentin (un estupendo y premiadísimo Jean Dujardin), al que la vida sonreía y que la voz y el sonido le dan la espalda sepultándolo en el olvido.
La cinta cuenta con momentos extraordinarios como la escena onírica donde se vislumbra el nacimiento del cine sonoro, el encuentro danzarín entre las piernas de Miller y un seductor Valentin, este observando su reflejo ante un escaparate o todas las secuencias en las que aparece el perro del protagonista (desde este humilde blog pido a la Academia del Cine que cree una mención especial en la próxima gala de los Oscar para este pedazo de actor, y que así sea el primer perro de la historia en ganar un premio a la mejor interpretación).
No pude evitar encontrar paralelismos con obras maestras del cine como EL CREPÚSCULO DE LOS DIOSES del gran Billy Wilder o EVA AL DESNUDO del gran Joseph L. Mankiewicz y encontrar en Valentin una especie de Norma Desmond y en Miller una Eva Harrington. ¿Quién sabe?
Una delicia que nadie debe pasar por alto.
VALORACIÓN:

LAS PEORES PELÍCULAS DEL 2011

Y finalmente toca comentar las peores películas que he visto en cine a lo largo del 2011. En este caso no lo he dividido en internacional y nacional pues la basura la tiro sin separarla, en este caso no reciclo y lanzo todo al mismo contenedor.

5.13 ASESINOS de Takashi Miike

Quizás es injusto que la obra de Miike esté en el ranking de lo peor del año, pero recordemos que es lo peor que yo he visto y que normalmente huyo de productos de calidad dudosa. De hecho a esta película le puse dos estrellas pues me pareció una cinta regular con sus cosas buenas y sus aciertos (como ya comenté). Es una historia de samuráis que, bajo mi punto de vista y comparándola con otros films del director japonés, representa un ligero retroceso en la carrera de Miike.
Cuenta con unas escenas de acción, en su tercio final, espectaculares y muy bien resueltas que diluyen la pesadez y la incomprensión provocadas en los dos tercios iniciales.

4.CARS 2 de John Lasseter y Brad Lewis

Fallida secuela de la ya por sí también fallida obra original que al señor Lasseter se le metió en la mollera que debía realizar. Este genio de la animación, que junto al tristemente desaparecido Steve Jobs fundó Pixar para realizar películas de dibujos 3D (no de las que se ven con gafas, sino las que se diferencian del dibujo plano y clásico 2D), ha dado logros a la historia del cine en general como las magistrales UP, WALL-E o la saga TOY STORY, entre otras, pero también ha cometido tremendos errores (quizás por ego o por simple cabezonería) como estas dos cintas protagonizadas por coches parlantes. En esta ocasión se cede más protagonismo al irritante Mate, grúa amiga de Rayo McQueen, quizás con la intención de hacer una peli más divertida que su antecesora. Nada más lejos de la realidad pues los mejores momentos de la cinta son aquellos en que no aparece tal personaje. Clarísima obra destinada a vender merchandising a raudales para aumentar las arcas de sus creadores.

3.SUCKER PUNCH de Zack Snyder

A pesar de que considero a Snyder uno de los nuevos genios del cine junto a Christopher Nolan, Darren Aronofsky, David Fincher y Bryan Singer, creo que SUCKER PUNCH es la mayor plasta que he visto de este repóquer de cineastas. Visualmente potente y dotada de gran energía, la cinta se queda en eso, bellas imágenes y mucho ruido y acción para distraer al público y que así no se dé cuenta de la soberana memez que está contando. Snyder ha contratado a un plantel de lolitas super sosas y mega planas (interpretativamente hablando) aunque monísimas, eso sí,  para que luzcan palmito y caras de guarrona tanto si se dan de hostias como si huyen de sus enemigos, o si habitan el manicomio donde realmente viven o ese mundo onírico y tan en la línea visual de la maravillosa LA CIUDAD DE LOS NIÑOS PERDIDOS de los realizadores franceses Caro y Jeunet. Una pérdida de tiempo y talento.

2.¿ESTÁS AHÍ? de Roberto Santiago

¿Qué tiene este director que no deja de trabajar? Este año ha estrenado no una, sino dos películas. La que se lleva la medalla de plata a la peor película del año y EL SUEÑO DE IVÁN, que si bien lleva mi nombre en su título (el mío es sin acento), no me llevó al cine a verla. He visto pocas cintas de Santiago y, aunque su debut con el corto RULETA no es nada desdeñable, debo decir que no ha acertado con sus apuestas por el largo. ¿ESTÁS AHÍ?, basada en la obra de teatro de Javier Daulte que obtuvo bastante éxito en su paso por las tablas, con las interpretaciones de Paco León y Clara Segura, no ha gozado del apoyo del público ni de la crítica en su paso por los cines. Los grandes cómicos que la protagonizan, Miren Ibarguren (la Soraya de la serie AIDA) y Gorka Otxoa (PAGAFANTAS) no están a la altura de sus posibilidades, y eso que se esfuerzan, no como Carme Elias, que está desubicada y más perdida que un pulpo en un garaje. Tremendo despropósito que merecía una mejor adaptación al lenguaje cinematográfico.

1.¿CÓMO SABES SI...? de James L. Brooks

Si la obra de Miike se puede ver, la de Pixar es un entretenimiento y las de Snyder y Santiago completamente prescindibles, de esta debéis huir como de la peste. Por algo le doy la muy merecida medalla de oro (o primer puesto del ranking de lo cutre). Mal escrita, deficientemente interpretada, penosamente dirigida, con un montaje descuidado, falto de coherencia y de ritmo, se hace difícil creer que un maestro de la comedia como Brooks esté detrás de esta farsa. No sé si pretendía burlarse del espectador o dilapidar su carrera y de paso la de sus protagonistas, pero ambas cosas son nefastas y vergonzosas. Jack Nicholson, Owen Wilson y Reese Witherspoon son grandes actores (lo llevan demostrando muchos años) pero aquí carecen de química y parecen ir en direcciones opuestas. Paul Rudd (que es mucho más limitado como actor) está en su línea y quizás es el menos perjudicado.
¡Qué se estrene esta bazofia y en cambio hayan tantas películas independientes, tanto americanas como europeas y ya no hablemos de otros continentes, que aún no hayan llegado a nuestras salas es indecente!

LAS MEJORES PELÍCULAS INTERNACIONALES DEL 2011

Y para finalizar el resumen de lo mejor del año pasado, aquí dejo el top five de películas internacionales.
No he comentado ninguna de las películas debido a que todas se estrenaron con anterioridad a la creación del blog. Todo llegará, pero de momento aquí va una pequeña nota de cada una de ellas.

5.THE FIGHTER de David O. Russell.

Clasificar a Russell como director atípico no es algo peyorativo, pues hoy en día lo que hace falta en el cine es talento y originalidad, dos cosas que le sobran a este neoyorkino. Basta revisar su filmografía para observar que no quiere encasillarse y una vez más huye de redundancias al dirigir este drama basado en hechos reales. Protagonizado con gran solvencia por Mark Wahlberg, Christian Bale, Melissa Leo y Amy Adams, cuenta las andanzas del mítico boxeador Mickey Ward y su épica lucha por llegar a ser campeón del mundo de pesos ligeros.
Aunque en ocasiones tiene ese tufo característico de "esto ya lo he visto antes", convence por su humanidad y gran sensibilidad a la hora de retratar las vidas de sus personajes. Además, Bale está sensacional como hermano ex presidiario y yonki del protagonista.

4.WINTER'S BONE de Debra Granik.

Cine independiente con voz propia. Este segundo trabajo como directora de Granik, estrenado entre nosotros el pasado mes de febrero, consigue meterse en lo más profundo del espectador por su autenticidad y por su pausada y maravillosa narración.
Tiene reminiscencias de los westerns más clásicos así como del thriller policial, aunque lo que realmente cuenta es el drama que vive una familia desestructurada, cuya cabeza o responsable es la hija mayor, una muchacha de diecisiete años que tiene que educar y criar a sus hermanos menores ante la incapacidad y enfermedad de la madre, al mismo tiempo que tiene que buscar al padre que se halla en paradero desconocido tras quedar en libertad condicional.
Jennifer Lawrence es el mayor descubrimiento de esta cinta. TALENTO, así, en mayúsculas.

3.X-MEN: PRIMERA GENERACIÓN de Matthew Vaughn.

Precuela de la excelente saga cinematográfica iniciada por Bryan Singer y mal acabada por Brett Ratner, que no solo pretendía contarnos los orígenes de Magneto y el profesor Xavier y su conocida patrulla, sino reiniciar la saga con idea de crear una nueva trilogía (lo que se llama en el argot del cine, un reboot).
Vaughn ha conseguido hacernos olvidar el mal sabor de boca dejado por el inútil de Ratner, logrando confeccionar una película coherente y muy digna (tanto como para merecer el tercer puesto de este ranking).
Cuenta con un excelente reparto que complementa las interpretaciones de la trilogía original, destacando los emergentes y muy talentosos Michael Fassbender (Magneto), James McAvoy (Xavier) y Jennifer Lawrence (Mística).
Una joya de la que espero ansioso su obligatoria secuela.

2.VALOR DE LEY de Joel y Ethan Coen.

Los hermanos Coen forman una pareja de directores perfecta. Pueden acertar más o menos con sus propuestas cinematográficas, pero siempre es un placer visionar sus películas. En este caso dieron de pleno al "remakear" (volver a realizar) el western clásico de Henry Hathaway con el imprescindible John Wayne encabezando el reparto.
Con un espléndido y oscarizable Jeff Bridges heredando el personaje de Wayne, Valor de Ley cuenta como una chica de catorce años (Hailee Steinfeld), acompañada de un alcoholizado sheriff (Bridges) y un Ranger de Texas (Matt Damon), recorre el oeste americano en busca del asesino de su padre.
Cuando parecía que el western estaba más muerto que nunca aparecieron los Coen con su amor por el cine para demostrar que con talento, respeto y ganas de hacer bien las cosas, no hay género muerto sino género dormido.

1.CISNE NEGRO de Darren Aronofsky.
Y en el top one y como no podía ser de otro modo, la grandiosa obra maestra de Darren Aronofsky.
Me atrevo a decir que Cisne Negro no es solo la mejor película del año, sino de las mejores películas que he visto en los últimos años. Siento absoluta fascinación por esta cinta y lo que sentí al verla por primera vez me hizo recordar que el cine es el arte más maravilloso que existe y que no podría vivir sin él. Lloré en la sala y no solo por la película en sí, sino por todo lo que me hizo sentir la experiencia. Fui feliz.
Esta aproximación a la obra de Tchaikovski, pasada por el tamiz de Aronofsky, retrata la dualidad humana, el bien innato contra el mal que todos albergamos. Y lo hace con el cuerpo, la mirada, las expresiones, la voz y la energía de una soberbia Natalie Portman, que se entrega al 1000% (sí, sí, he dicho 1000) y se transforma en Nina y en esos dos cisnes, el blanco y el negro, tan opuestos pero tan reales y presentes en nuestras vidas.
Me atrapó, me embrujó, me sedujo, me emocionó, me aterrorizó, me fascinó y me enamoró hasta las trancas. Ahí queda mi declaración de amor.

LAS MEJORES PELÍCULAS NACIONALES DEL 2011

Finalizado el año 2011 solamente queda hacer un resumen de lo mejor que se ha podido ver en nuestras salas a lo largo del año.
Debido a mi amor por el cine patrio he decidido empezar por las 5 mejores películas españolas, a mi entender:

5.EVA de Kike Maillo.

Por su frescura y saber hacer, la ópera prima de Maillo se merece estar en el ranking de lo mejor del año. Ya la comenté en su día, pero debo añadir que esta película de ciencia ficción satisfará los paladares más "frikis" y aquellos más afines al drama familiar y social, pues combina ambas facetas con solvencia.
No obtuvo, en taquilla, el respaldo que se merecía. Quizá no se estrenó en el mejor momento, pues tuvo que lidiar con Tintín o El Gato "Banderas", quizá no se supo vender bien ni al público adecuado, quizá goce de mayor éxito en formato doméstico. Ojalá.


4.PRIMOS de Daniel Sánchez Arévalo

Esta comedia con aires romanticones supuso el tercer trabajo como director de Sánchez Arévalo tras las notables AzulOscuroCasiNegro y Gordos. No la he comentado aún pues se estrenó en febrero y este joven blog nació en agosto, pero lo haré en lo sucesivo. Mientras tanto adelantaré que está hecha a gloria de los tres primos a los que se refiere el título, unos excelentes Raúl Arévalo, Quim Gutiérrez y Adrián Lastra, que demuestran una química y sentido del humor que traspasa la pantalla.
Rodada impecablemente, con ritmo, cariño y dotada de luz y brillo, resulta divertida y conmovedora a partes iguales.

3.MIENTRAS DUERMES de Jaume Balagueró

Si hay un director en España que conozca los resortes del thriller y el terror, ese es Balagueró. Película tras película consigue sorprender y dar un paso adelante en el cine de género nacional.
Mientras Duermes supone su cuarto largometraje en solitario y séptimo si contamos las dos partes de Rec y el documental OT, la película codirigidas con Paco Plaza.
Esta medalla de bronce se debe repartir en varios cachitos, pues aunque Balagueró es el alma máter en la sombra, Luis Tosar (grandísimo), Marta Etura, Petra Martínez, Alberto San Juan e Iris Almeida ponen voz, rostro, cuerpo y sentimientos a este delicioso film de terror cotidiano.

2.MIDNIGHT IN PARIS de Woody Allen

Muchos pensaréis que he cometido un error al dar la medalla de plata como película nacional a la última comedia del maestro Allen, pero no, pues cuenta con producción catalana por parte de Mediapro, lo que la convierte en producto nacional.
Esta cinta, que tampoco he comentado aún, nos devuelve al Allen más celebrado y más cercano a La Rosa Púrpura del Cairo que a sus recientes cintas londinenses y catalanas. Con una trama sorprendente, joven y llena de guiños a su filmografía, Midnight in Paris cuenta con un reparto de altura, encabezado por Owen Wilson (sosias del propio director), Marion Cotillard y Rachel McAdams.
Título imprescindible del año.

1.LA PIEL QUE HABITO de Pedro Almodóvar

Aunque en ocasiones me cuesta ser imparcial con Almodóvar y partiendo de la base de que su peor film lo considero una película buena (y de ahí para arriba) debo conceder a La Piel Que Habito la medalla de oro por méritos propios.
Fascinante adaptación de la novela francesa Tarántula de Thierry Jonquet, ya de por sí bastante almodovariana, que el director manchego ha sabido hacer suya.
Película sublime que gana con el tiempo y con las revisiones. Valiente, comprometida, estimulante, perversa, terrorífica, bella, y un sinfín más de calificativos que esta obra merece porque visionarla es un placer para todos los sentidos.